11 неожиданных родственников. Часть 2

#Кинозаписки: «Между рядами» Томаса Штубера

Кристиан — новичок в дружной семье работников гипермаркета. В мире бесконечных стеллажей Кристиан встречает Марион из отдела сладостей. Между ними пробегает искра, а кофейный автомат превращается в место для робких встреч. Однако Марион замужем, а Кристиан слишком застенчив, чтобы сделать первый шаг.

О «Между рядами» активно заговорили после нынешнего Берлиналя, где работа Томаса Штубера разительно отличалась от других участников своей простотой, лаконичностью и искренностью. Не смотря на это, фильм был проигнорирован в присуждении призов, получив только приз христианского жюри и приз гильдии немецкого арт-хауса. Антон Долин связал это с президентом жюри Томом Тыквером («Беги, Лола, беги») и я склона с этим согласиться - Берлинский кинофестиваль 2018 года был явно суров в оценке работ немцев.

Когда-то Джим Джармуш возмутился тому, что герои в фильмах садятся в транспорт (автобус, такси) и следующий кадр показывает, как они выходят и идут дальше по своим делам. Где же процесс поездки? А какие пассажиры и водитель были? Может герой сидел напротив парочки молодых анархистов, а нам решили это не показывать? Именно так родился «Патерсон» Джармуша - фильм о водителе автобуса и его ежедневном маршруте и попутчиках, а по сути чистейшая поэзия жизни и гармонии всего. «Между рядами» о схожем, ведь почти каждый из нас был в супермаркетах, в этом царстве культуры потребления и видели продавцов и их каждодневный труд, но редко задумывались, а как они живут, а как живёт сам супермаркет? А ещё в кино редко можно увидеть, как герой большую часть времени проводит на простой рутинной работе, а жизнь вне работы - это редкое и мимолётное событие. А этот фильм именно такой. Тут впору испугаться - «царство потребления», «рутинная работа», «каждодневный труд» - жесть, это ещё и идёт два часа. Но!

Этот фильм в первую очередь не о супермаркете и работе в нём, и это не фильм о любви (как бы активно его у нас не пиарили таким образом), а о пространстве и людях, что живут и создают его. Первую часть фильма нас будут осторожно и тщательно знакомить с обитателями супермаркета-утопии и с их условными правилами и ориентирами (например, кто с кем дружит, а кому ни за что не дадут погрузчик), а во второй части врывается реальность и личные взаимоотношения. Только вот зритель уже вовлечён и болеет за события, мир столь далёкий становится по сердцу. В какой-то момент зритель и сам начинает мыслить, что быстрее бы уже прошли новогодние праздники и герой вернулся обратно на работу.

Фильм неспроста цитирует «Космическую одиссею» Стэнли Кубрика, где под «На прекрасном голубом Дунае» Штрауса зрителя знакомили со вселенной, с космосом. У Штубера та же работа Штрауса, но в этот раз нас знакомят с космосом продуктов, со вселенной магазина, но вводят бережно к деталям и ни разу не с иронией. В камерном, закрытом рабочем коллективе можно увидеть ни много ни мало, а саму Германию. На месте супермаркета, когда-то была автостоянка дальнобойщиков, но потом Берлинской стены не стало и всё поменялось - ФРГ и ГДР-вцы смешались вместе в виде работников супермаркета. Но отчего-то  стеллаж, разделяющий влюблённых Марион и Кристиана всё также отчетливо напоминает ту самую Стену.

«Между рядами» - фильм, о котором нормально не расскажешь, потому что вся магия в атмосфере и кадрах. Вам придётся только поверить и проверить, включив фильм и позволив уюту мира Кристиана и Марион войти в ваш мир. Чтобы понять этот мир - его надо полюбить. Тогда и зритель, вслед за Кристианом и Марион увидят красоту в обыденности. Особенно прекрасна концовка, последний раз такое чувство завершённости от концовки я чувствовала на «Хэппи-Энде» Михаэля Ханеке, где Франц Роговский сыграл сына героини Изабель Юппер.  «Между рядами» резко противопоказан всем, кто любит динамичное кино и готовы убить себя из-за продолжительных статичных кадров. Время у героев длится таким образом, что кажется, у зрителей оно идёт быстрее. Я была до последнего уверена, что отсидела на сеансе все три-четыре  часа. В остальном, если вам нравится немецкое кино или хочется с ним познакомиться, если вы задавались вопросом о жизни простого заурядного человека (ведь нет неинтересных историй жизни) или если вам хочется укутаться в теплую ламповую атмосферу реальной жизни - советую потратить два часа и познакомиться с этой историей о маленьких людях в большом супермаркете.

#Кинозаписки: «Однажды... в Голливуде» Квентина Тарантино

За последние два года Каннские премьеры показали нам «особое» возвращение двух режиссёров. В прошлом году это был Ларс Фон Триер и его «Дом, который построил Джек». Фон Триер выкрутил себя на максимум, сделав не фильм, а собственное полномасштабное препарирование. Ситуация к этому располагала: возвращение Фон Триера на Канны само по себе было особенным. Та история с Гитлером если не простилась, то вроде забылась. Совпадение или нет, но тематика фильма идеально подошла к такому возвращению.

Вторым возвращением, уже в этом году, стало «Однажды...в Голливуде» Квентина Тарантино, которое пришлось на юбилей его первого участия. 25 лет назад молодой и во многом неизвестный Квентин произвёл не просто фурор, а полномасштабную революцию кинематографа, навсегда изменив его язык. Куда подробнее с данной темой можно познакомится в одной из части «100 лучших фильмов с Антоном Долиным» на Маяке, посвящённой «Криминальному чтиву». Поэтому можно сказать, что мы пришли к некому рубежу (для Тарантино даже обещанному финалу) творчества двух режиссёров-синефилов.

Иронично и то, что Фон Триер и Тарантино, хотя и являются режиссёрами совершенно разного почерка, обоих объединяет, что, кроме любви к кино, они - революционеры 90ых. Разница только в том, что Ларс делал эту революцию преднамеренно, дав этому название (Догма-95), найдя единомышленников (его взаимоотношения с Томасом Винтербергом тянут на сюжет драмы о друзьях-соперников) и написав основные правила. Фон Триер - Фауст от кино, он интуитивно вычислил «формулу» кинематографа и хотел «излечить» его от застоя с помощью алгоритма. Итог был печален - Догма-95 не совершила всеобщую революцию, став небольшим периодом для такой же небольшой группы режиссеров скандинавского кино. Единственный, кто навсегда оставит эту революцию у себя в душе - Фон Триер и каждый его фильм, невзирая на полное несоответствие постулатам, наследие Догмы.

А в США, за год до создания Догмы, на Каннах покажут второй фильм 30-летнего режиссёра Квентина Тарантино. Он врятли строил какую-то революцию или разрабатывал постулаты. Весь его секрет в известном безудержном киноманстве. Квентин не просто любит хорошее кино, он обожает кино и далеко не только хорошее. Работая в прокате кассет или сидя дома, он смотрел от классики кино до ширпотреба и клишированных сериалов про гангстеров. Он сам стал воплощением ответа на вопрос - «Как сделать авторское и фестивальное кино интересным не только уже выработанной категории зрителей, но и для всех?». Оказывается, нужно не бояться пустить новую кровь, начать говорить на языке клише и низких жанров. Герои «Криминального чтива» и есть ходячие клише из гангстерских сериалов, где есть боксёр-марионетка, киллеры, гангстер и его молодая супруга и т. д. Вместо самоограничения Догмы-95, в 1994 году Тарантино интуитивно предложил оживить всё китчем. И вдруг всё презираемое и дешёвое стало объектом интереса, тем самым заключив, что эпоха метамодернизма - новый путь кинематографа.

Квентин же продолжил дальше возрождать всё то, что глубоко им любимо, благо на этом пути у него тоже были единомышленники. Безусловно, первым на ум приходит Роберт Родригес, который также был поклонником эксплуатационного кино 70-х годов, базирующегося в кинотеатрах-грайндхаусах. Отсюда вышел проект с говорящим названием - «Грайндхаус», где каждый из друзей снял по одному фильму (от Тарантино это было «Доказательство смерти», вдохновлённый разговором с другом о каскадёрах старой школы, говоря цитатой героя фильма «реальные тачки врезаются в реальные тачки с реальными умалишенными людьми за рулем») и куда вошло четыре фейковых трейлера от Элая Рота, Эдгара Райта, Роба Зомби и «Мачете» Роберта Родригеса. Весь этот долгий трёп нужен был для раскрытия бэкграунда Тарантино.

С триумфа Квентина на Каннах прошла четверть века и вот он вновь возвращается туда, где когда-то стал всемирно известен. И впервые с уверенностью можно сказать, что это не преувеличение: мы можем называть имена более достойных, гениальных, талантливых и бог знает каких ещё современников Тарантино, но нет более известного режиссера. Начав писать текст, я думала о том, чтобы немного описать Фон Триера или Джармуша, но у меня не было мысли рассказывать о чём «Криминальное чтиво» или кто там снимался. Это стало чем-то общеизвестным, как ультра-насилие в его фильмах, Ума Турман и Сэмюэл Л. Джексон, искажённо цитирующий отрывок из проповедей пророка Иезекииля. Квентин брал и выворачивал реальность с иронией, от души приправляя это галлонами крови, пулями и фразами-выстрелами с запретным словом на букву «N». Девятый фильм ждали, нервничая, так как уже давно он заявлял, что на 10 фильме он окончит карьеру режиссера. Любой финал пугает и одолевает страх - «а вдруг в этот раз он исписался и разве можно закончить карьеру на неудачных фильмах?». Вот и настал финал.

Как только стало известно, что ключевой темой нового фильма станет Старый Голливуд 60ых и в события каким-то образом будет вплетена Шэрон Тейт - многие уже сфантазировали свои ожидания от того, каким этот фильм будет. Тот, кто в дебютном фильме отличился наличием фельдшера на съемках (чтобы тот следил, чтобы из персонажа кровь выливалась в объемах, соответствующих реальности), не мог не пройти мимо такой темы, как кровавый ад, в которую превратилась вечеринка в доме Романа Полански. В самом сердце беззаботного и солнечного Голливуда в толпе кажущихся беззащитных хиппи затесалась волчья стая под названием «Семья». 9 августа 1969 года их лидер Чарльз Мэнсон отправит группу самых преданных из сторонников зарезать жителей дома, где когда-то жил музыкант и продюсер Терри Мелчер, оборвавший мечты Мэнсона о музыкальном будущем. Неизвестные 4 человека в этом доме окажутся гостями и беременной на 9 месяце супругой режиссера Романа Полански Шерон Тейт.

Страшное событие не просто уничтожило судьбу шестерых людей (также был убит и 18-летний юноша, друг одного из сотрудников в доме), но нанесло травму всему. Голливуд затих и беззаботность так и не возродилась в том виде, в котором до этого существовала. Роман Полански перестал быть надеждой Голливуда, став гонимым прессой. Он и сам себя уничтожал, осознавая что роковой ночью, на другом континенте хотел быть подальше от беременной супруги и наслаждаться своей известностью в компании раскрепощенных девушек, наркотиков и алкоголя. Не оправдывая его поступок, я могу предположить, что, возможно в его психике, итак не отличающейся стабильностью, что-то сломалось навсегда и проявившийся преступный интерес к невинности и греху, воплотившийся в сексуальном интересе к далеко несовершеннолетним девочкам, ещё сильнее закопает его репутацию. Итогом действий Мэнсона стал страх, что обуял не Голливуд, а всю страну. Милые пацифисты приобрели страшную гримасу и никто не хотел уже слышать о сексе, легких наркотиках и коммунах. Полиция активно занялась хиппи и их образом жизни.

Казалось, что девятый фильм продолжит старые-добрые традиции повышения градуса безумия, где сначала много поговорят, а потом все быстро, но эстетично покрошатся в капусту. Будет знакомая деконструкция жанра, цитирование классиков и самоцитирование. Четыре года назад «Омерзительная восьмёрка» оставила часть зрителей в растерянности от мысли, что «вдруг тот, кто изменил киноязык, ничего и не сможет больше предложить, кроме того, что уже показал?» Я не могу не согласиться, что «Омерзительная восьмёрка» грешит тем, что это повтор того, что мы уже знали.

«Однажды...в Голливуде» показывает нам нового Тарантино, таким мы его не видели: нежным, ностальгирующим, ранимым и даже напуганным. В эпоху, когда Голливуд вновь перестраивается из-за громкого преступления, Квентин пытается остановить прекрасное мгновение прошлого, которого сам не застал, но знает по фильмам. Собрав звёздный состав и изящно руководя ими, он разыграл короткий отрывок из жизни залитого солнцем Лос-Анджелеса, где встречаются вымышленные персонажи с реальными, где по улицам ходят супер-звёзды и неизвестные дети Солнца, где два друга пытаются построить карьеру и живут по соседству с известной парой Голливуда. Вначале я сказала, что герои «Криминального чтива» - штампы из любимых фильмов про гангстеров, а в этот раз героями становятся актёры, что играют в других любимых жанрах: в том же спагетти-вестерне. Наверное, тут стоит и остановится насчёт сюжета. Режиссер просил оставить сюжет в виде интриги и все промо-материалы дают довольно размытое представление о сюжете фильма, поэтому пусть эта часть останется секретом.

Сами актёры фильма становятся цитатами и пасхалками. В какой-то момент, смотря на Леонардо Ди Каприо, невольно вспомнишь историю со съемок «Джанго освобождённого». Лео тут вообще выдаст игру, которая, не побоюсь этого слова, перекроет даже «Волка с Уолл-стрита». Тарантино напичкает фильм актёрами из первых и последних своих фильмов, а где-то в виде пасхалки появится дочь его музы Умы Турман - Майя Хоук. Его страсть к кино выльется и в то, что по всему фильму будут гулять миражи 60ых: начиная от Мишель Филлипс («The Mamas & The Papas») и Брюса Ли и заканчивая теми членами «Семьи», которые не были связаны с событиями 9 августа вроде Кэтрин Шэйр и Линетт «Пискли» Фромм. Без пасхалок и тут не обойдется и уже после сеанса можно загуглить о гибели Натали Вуд или судьбе Джеймса Стейси. Не уйдет зритель и без созерцания фут-фетиша, которым Тарантино известен. Ног было даже слишком много и можно подумать, что это уже и ирония над самим собой.

В фильме фразы, рассчитанные на выстрел-реакцию почти сведены к минимуму. Происходящее на экране как будто плавится под жарким солнцем, делая происходящее «затянутым», тем самым внедряя нас самих в жизнь героев. Только вот такой жизни не существовало: когда-то Квентин увидел её через кино и увековечил там же, в фильме. Что же в этом фильме точно есть? Американская горка из эмоций, где от смеха и радости неожиданно переходишь к грусти или страху... и творец, который оказался слишком искренним и красиво «повзрослевшим». «Однажды...в Голливуде» - это не только признание в любви режиссера и актёров к кинематографу. Это желание влюблённого сохранить и увековечить дорогое.

(И последние фразы слишком раскрывают сюжет и я решила скрыть их под катом, поэтому посмотрите их уже после просмотра фильма)

Поэтому вначале карьеры Тарантино берёт своего верного «пса» - насилие - чтобы разогнать кровь кинематографа, сделать его язык живым. В 2019 году «пёс» бросается только чтобы не дать облить кинематограф кровью.

«Истории, которые мы рассказываем» Сары Полли (Внимание! Текст максимально спойлерит события фильма)

Жила-была маленькая девочка Сара. Её мама, театральная актриса Дайан, умерла, когда Саре было 11 лет, а братья и сёстры были уже слишком взрослые, поэтому жила-была девочка в домике вместе с отцом. Время от времени братья шутили над Сарой: “Ты совсем не похожа на папу!”. Жила-была канадская актриса Сара Полли, которая в попытках узнать больше о своей матери, открыла для себя, что её папа - не её биологический отец.

Сюжетно документальный фильм = «Истории, которые мы рассказываем» повествует о тайне рождения Сары: начиная от истории любви Дайан и Майкла Полли и заканчивая реакцией семьи и биологического отца Гарри Калкина на правду. Герои фильма нервничают, большинство из них не готовы говорить на камеру о чём-то личном, но мало-помалу из обрывков интервью конструируются биографии двух людей: матери и дочери. Обе они оказываются призраками в процессе рассказа: сначала в мире не было Сары, а потом из мира исчезла Дайан, но обе неуловимо присутствуют в каждом кадре фильма. Этому помогает визуальный ряд фильма, где самые важные моменты жизни героев оказываются записаны на плёнку. Фокус раскрывается в самом конце: реальная видеохроника смешивается с инсценировками, где на помощь приходит гримм и стилизация под ретро. Драматический сюжет об исследовании своих корней со временем оборачивается в детектив, где зрителю позволяют сопоставлять разные свидетельства очевидцев, чтобы найти биологического отца Сары. Но стоит ли рядовая история супружеской измены, которая неплохо бы смотрелась на каком-нибудь ток-шоу, внимания Венецианского фестиваля? Оказывается, смотря как об этом рассказать.

Уже названием фильм намекает на свою сущность. Важна не сама даже история, а механизм её рассказа. Ещё до идеи фильма, когда правда об отце только вскрылась, Саре начали звонить журналисты и просить комментариев. Журналисты знали то, чего ещё не знало семейство Полли. Сокровенная тайна троих людей грозила слишком стремительно стать достоянием общественности, где каждый новый рассказчик создавал бы свою вариацию историю о жизни Дайан Полли. Сара решила действовать: фильм стал присвоением себе авторства над событиями. Каждый новый пересказ адюльтера в семье Полли - “ремейк” фильма. Истинность фактов в фильме уже не доказать, ведь главная героиня = мертва, а у остальных свидетелей есть только их интерпретация событий: сын вспомнит, что мама была грустной во время разговора по телефону; два отца Сары Полли расскажут о двух разных Дайан. Такой же интерпретацией становятся и реконструированные события жизни - Сара транслирует своё представление о матери и как она двигалась, плакала и любила. В итоге в фильме нет единой точки зрения: герои подтверждают слова друг друга или, наоборот, опровергают.

«Истории, которые мы рассказываем» застревает на зыбкой границе между игровым и документальным кино, где одно обращается в другое: повествует и работает с реальностью, но вносит столь много субъективного взгляда и игрового материала, что роднит с художественным кино. Главное для Сары Полли в её фильме - не результаты поиска правды, а возможности киноязыка. Не так важна истина с железобетонными ДНК-тестами, как иллюзия, созданная магией кинематографа. Это было, не потому что есть улики, а потому что зритель видит реконструированные кадры жизни Дайан (хотя они порождение интерпретации режиссёра) и уже верит, что так они и произошло. Даже при том, что версии в фильме разнятся, дробятся и в итоге начинают существовать несколько разных версий. Оказывается, что истина в том, что никто уже ничего не помнит. Пытаются вспомнить, но правда ускользнула от выросшей Сары. На киноплёнке остаётся коллективное воспоминание семьи: в меру правдивое и в меру выдуманное.

«Девушка, подающая надежды», реж. Эмиральд Феннел

Феминистское кино всё больше и больше попадает в оптику популярного кинодискурса, а женщины-режиссеры стали чаще получать возможность работать над высокобюджетными проектами («Чудо-женщина», «Хищные птицы», будущий проект Марвел «Вечные»). Синематограф всегда был полон талантливых женщин, но только в последние годы стал более легко дышать в сфере женского режиссерского взгляда. Год назад на «Сэндэнсе» не очень громко, но в наградном плане вполне успешно прошла премьера режиссёрского дебюта сценаристки (2 сезон «Убивая Еву») и актрисы второго плана (Камилла Паркер-Боулз в «Короне») Эмиральд Феннел - «Девушка, подающая надежды». И вот совсем недавно, в конце января 2021 года, фильм добрался до премьеры в России и уже доступен в онлайн-кинотеатрах (например, на Кинопоиск HD). Шуточно я бы вообще назвала фильм blonde girls power: кроме блондинки-режиссёра, руку к созданию фильма приложила продюсерская студия Марго Робби, а главную роль исполнила Кэри Маллиган (до этого известная ролями пассивных перед лицом зла героинь) под заводные хиты Пэрис Хилтон и Бритни Спирс. Хилтон и Спирс - это всегда хорошо, да вот только «Девушка, подающая надежды» - это представитель такого поджанра триллера как «Rape and Revenge» и заводные хиты уже не кажутся такими наивными и беззаботными. Название же этого вида эксплуатационного кино говорит само за себя: это фильмы, где жертва/кто-то близкий жертвы мстит насильникам (например, из современного - «Я плюю на ваши могилы»). Эмиральд Феннел разбавляет сюжет мести за изнасилование вклиниванием ещё нескольких жанров, в том числе черной комедии и самого ванильного ромкома. На выходе вышёл стильный и динамичный фильм о путешествии мести. А теперь...я настоятельно рекомендую Вам не читать текст дальше, а сесть и посмотреть фильм, ибо я буду беспощадно спойлерить сюжет и некоторые твисты. Остались? Чтож, давайте продолжим дальше.

Кэсси (Кэри Маллиган) можно назвать неудачницей: недоучившись в медицинском, она теперь работает на бесперспективной работе в кофейне, живёт в доме родителей и совершенно одинока. Вот только у 30-летней девушки есть пикантный секрет: каждую неделю какой-нибудь парень увозит её совершенно пьяную к себе домой. В почти бессознательном состоянии ей вливают ещё немного крепкого алкоголя или втирают в зубы порошок, а позже уже готовенькую кладут на кровать. В этот же момент оказывается, что случайный перепихон может обернутся для парня чем=то опасным, ибо это хобби Кэсси - изображать из себя пьяную.

У Эмиральд Феннел идея фильма родилась из одной мысли: “почему нам кажутся забавными сцены в фильмах, где героиня просыпается с рандомным парнем и не помнит что вообще было вчера на вечеринке?”. Секс по-пьяне кажется нашему поколению чем-то рядовым, даже если это был нежелательный половой акт. Уже бы не так позитивно мы бы оценили историю, где незнакомец подошёл к спящему человеку и начал заниматься с ним сексом. Мы бы сразу поняли - это какой-то треш и ничего весёлого в этом нет. А ведь разница между спящей и слишком пьяной девушкой не сильно и велика, но мы воспринимаем нежелательный секс почти таким же возможным последствием алкоголя, как головная боль или тошнота. В конечном счёте размышления Феннел привели её к твисту, на котором заканчивается пролог фильма - пьяная девушка оказывается трезвой, а случайный Ромео в секунду теряет весь свой пыл. Тема допустимого в сексуальном плане активно начала осмысливаться и обсуждаться после истории с “#metoo” и в этом плане “Девушка, подающая надежды” выглядит как один из образцовых фильмов эпохи пост-metoo: ведь антагонистов Кэсси настигает тоже с целью спросить за прошлое.

Но если бы это было просто социальное высказывание в лоб, то “Девушка, подающая надежды” не отличалась бы от остальных фильмов, которые появились в последние годы. В первую очередь, “Девушка, подающая надежды” - это стильное кино с приятной постановкой кадра. Мир Кэсси поделен на две части: в обычной жизни вокруг неё самый настоящий гламур с розовыми стенами, но выходя на охоту она оказывается в мире неона, грязный улиц и серо-коричневых стен. Даже родительский дом пугающе сладкий: бывшая “мама Стифлера” (Дженнифер Кулидж) создала из провинциального домика копию Версаля с антикварной мебелью и лепниной. Музыкально мир Кэсси гремит хитами 2000ых и в какой-то момент Кэсси поёт в магазине со своим парнем гимн сладкой наивности “Paris Hilton - Stars Are Blind“. Даже когда атмосфера фильма даёт небольшой градус в сторону триллера - сладкие нулевые остаются с Кэсси. Я советую Вам при просмотре обратить внимание, насколько много примет 2000ых в фильме и думаю, в конце фильма вы и сами поймете, зачем этот антураж был сделан.

“Девушка, подающая надежды” вместо назидательной манеры повествования, где всё делилось бы на белое и черное, выбирает путь игры. Фильм не скрывает того, что играет и развлекает зрителя, попутно показывая ему и последствия психологической травмы. Не пытаясь нарочно удивить зрителя, у Эмиральд Феннел получается выдержать ритм истории от начала до конца. Я не могу согласиться с обвинениями, что фильм слишком не глубокий для своего жанра. Да, ничего нового в жанр фильм не привносит и не даёт ответ на вскрытую проблему, но зато умно и остроумно вглядывается в девчачий бэкграунд, чтобы в итоге нарисовать правдивый образ зрительницы: под кофтами с нежными принтами, под сладкими балладами о любви и под готовностью одеть костюм секси-медсестрички внутри нас прячется едкий страх потерять власть над своим телом.

31 декабря. Мои кино-итоги.

Наступает Новый, 2019, год и это означает, что подходит к концу моё 4-летнее обучение на культуролога. Именно там, на втором курсе, я поняла, что хотела бы связать свою жизнь с кино, как бы сложно это не было. Даже ведение блога показало, что упорства, таланта и работоспособности мне пока не хватает, но я не планирую всё бросать на половине пути. Профессий в кино много и всегда можно найти ту самую, которая лучше всего подходит именно тебе. Мне предстоит ещё многому научиться, многое для себя открыть, во многом разочароваться, но просмотр фильмов остаётся моей отдушиной.

Прежде чем год закончиться, я хотела бы поблагодарить всех тех, кто поддерживали меня в моём хобби, читали даже когда тема не сильно интересовала, смотрели со мной фильмы, слушали мои выступления на семинарах в университете, давали советы, подмечали ошибки и делились своим мнением. Любая мелочь, любое небольшое внимание к моей деятельности было для меня очень ценным. Надеюсь, в ближайшие годы я оправдаю ваше доверие и может этот блог перестанет быть локальным, “местечковым”.

В этом году я не планирую подводить в соц. сетях личные итоги, во многом, потому что некоторые переломные вещи только начались в 2018-ом и мне неизвестно, каков будет конец. Зато куда уместнее будет подвести итоги тех фильмов, которые имели важность для меня в этом году и тех, которые надо забыть как страшный сон. О многих фильмах мне хотелось рассказать отдельно (и может это будет сделано), но не находилось нужных слов или достаточной осведомлённости в теме. Например, принципиально стараюсь не писать про анимацию, ибо не чувствую себя уверенно в данной сфере. О других уже было сказано в блоге, а об одном направлении, новые русские ужастики, будет рассказано в 2019 году, но (спойлер!) на нынешнем уровне развития - они попадают в топ худших. Более конкретный анализ будет сделан мной тогда, когда я досмотрю весь список (а осталось всего-то 4 фильма).

В этом году мне сильно везло на качественные картины, во многом из-за деятельности Архангельской Добролюбовской библиотеки, которая устраивала недели национального кино. Сама я дома немного углубилась в классику мирового кино. В кинотеатрах же шли в основном средние картины, со щепоткой хороших и ужасных, но каким-то способом я собрала 30 фильмов из 463, убрала очевидных “Бешеных псов” Тарантино, “Психо” Хичкока и др. В итоге:

МОЙ ЛИЧНЫЙ GOOD-СПИСОК 18 фильмов (расположение фильмов по позициям случайное)

P. s. Это самый неподготовленный текст, так как дописать его 31 не смогла, а потом - голова слишком чугунная.

1. Монти Пайтон и священный Грааль (1975)

Из всех комедий абсурда у Монти Пайтона «Священный Грааль» остаётся самой любимой и смешной. Во многом, из-за моей чистейшей любви к Артуриане и английской истории, во многом из-за уморительной пародии на античные представления. Их юмор - подлинная революция комедии как жанра, а Пайтоны навсегда запомнятся как гении.

2. Человек, который убил Дон Кихота (2018)

Раз начали с Монти Пайтона, уместно будет рассказать о долгострое единственного американца среди их труппы. 29 лет фильм Терри Гиллиама находился в производственном аду и наконец-то в этом году смог выйти на киноэкране (не без скандала и проблем, опять же). Гиллиам снял кошмар для зрителей - два часа фильма, который поставлен кардинально неправильно и зритель как будто и не нужен Терри. Он снимает фильм для себя, чтобы наконец-то дать плоть своему дитя. Больше часа я просидела с мыслью о том, что это капитальный провал, но к титрам не верила, что фильм заканчивается. Я не хотела его отпускать, была очарована его явной неправильностью. Терри Гиллиам снял объективно плохой фильм, который при этом является восхитительным и одним из лучших в этом году. Чтобы полюбить этот фильм, надо, видимо, любить Гиллиама.

3. Большая маленькая ложь (сериал, 2017)

Мой сериальный фаворит в 2018 году. Я относилась с предубеждением к историям о девушках в маленьком городе и тайне (те же Pretty Little Liars в школьные годы прошли мимо меня), но я рискнула посмотреть одну серию...и потратила ночь и следующую, маниакально желая узнать концовку. Сериал стал большим факом всем продюсерам, которые списывают актрис после 40, ибо сексуальные и стильные Николь Кидман, Риз Уизерспун и Лора Дерн - это высокое искусство. Молодые же звёздочки «Дивергента» Шейлин Вудли и Зои Кравиц смогли показать, что они больше, чем звёзды подростковых антиутопий.

4. Три билборда на границе Эббинга, Миссури (2017)

Существование на гранях между надрывом души и крепким юмором - это Мартин МакДона со своей первой короткометражки «Шестизарядный» и до снятого в США «Три билборда на границе Эббинга, Миссури». Скандал с Оскаром Сэму Рокуэллу показал для меня, почему британское кино сможет и дальше конкурировать с Голливудом - они всё ещё имеют карт-бланш на большую многогранность персонажей. Весь фильм - это американские горки, где ты сменяешь ненависть на симпатию, горе на смех, а эти злополучные билборды и без всяких мемов отпечатываются в памяти. Мартин снова доказал, что его слава как выдающегося драматурга - это не пустой звук.

P. s. Но «Залечь на дно в Брюгге» все ещё остался главным любимчиком. 

5. Лето (2018)

О «Лето» Кирилла Серебренникова в мире говорили много и это редкость для русского фильма. Как говориться, «на небесах только и говорят, что о новом фильме Серебренникова» и хотя можно связать это со скандальным делом «Седьмой Студии», но фильм и правда чудесный. Вокруг выхода фильма в прокат шли обсуждения, что вот, переврали всё, это ложный байопик о Цое. Да вот только в итоге, это не совсем о Майке и Натальи Науменко, Викторе Цое, не о БГ и далее. Это фильм лиричный, нежный, с живущей внутри поэзией и музыкой. Это не фильм, о котором можно рассказать, а фильм, который нужно смотреть. Герои «Лето» живут в мире утопии, в мире воспоминаний и ностальгии, где всё всегда лучше чем было в реальности. Хотя может каждое лето и это утопия после холодов и слякоти?                                                            

P. s. А ещё я после него начала с симпатией относиться к Ирине Старшенбаум как к актрисе. Кайе дю синема, кстати, внесла «Лето» в топ лучших фильмов года, а туда попасть не очень-то и просто.

6. Пылающий (2018)

Южная Корея всё больше и больше захватывает российские кинотеатры. Красивейшая в визуальном плане картина 2018 года, от которой по коже идут мурашки (один танец голода в исполнении актрисы Чон Джон- со стоит отдельного внимания). Но всё таки южнокорейский кинематограф - не моё, от того и нахождение здесь работы Ли Чхан Дон ещё более красноречиво.

7. Измена (2013) 

Билл Плимптон - легендарный художник эпохи MTV и я рада была в этом году познакомиться с одним из его анимационных фильмов. Все его проекты делаются только им и почти без использования компьютера. Он пишет сценарий, рисует, режиссирует фильм на своих деньги и поэтому каждая работа - на 100% авторский проект. «Измена» сюрреалистическая сказка о рождении и взрослении чувства любви, о сражении за своё счастье. Плимптон, не используя ни одной реплики (это его главная особенность: за всех его героев говорит музыка, пластика и взгляды), смешал коктейль из боли и смеха, приправив нереально красивыми планами. Не удивительно, что Билл приезжал в Россию именно с выставкой картин-набросков фильма «Измена».

8. Психонавты, забытые дети (2015) 

Испано-японская анимационная работа о техногенной катастрофе на острове, где живут антропоморфные зверушки. Самая главная проблема, с которой я столкнулась во время просмотра - чтобы понять всю историю, надо было найти приквел-короткометражку (Мальчик-птица 2011 года) , из которой и вырос полный метр. Это ещё один недетский мультфильм (как и «Измена») с жесткостью, отчаянием и изящными метафорами.

9. Девушка без рук (2016) 

Сказка, знакомая с детства: мужчина заключает сделку с дьяволом, считая, что сможет обхитрить князя лжи, а в итоге жертвой становится дочь мужчины. Французские аниматоры заключили жестокую сказку Братьев Гримм в минималистическую, как будто нарисованную гуашью, и наивную оболочку. Каждый кадр жадно выхватывается глазами, потому что секунда и всё действо исчезнет как следы на песке. Из-за своей специфичной подачи (а не из-за содержания, как вышеупомянутые анимационные фильмы) я бы также отнесла эту картину ко взрослым работам. Во многом, даже не уверена, что многим зрителям придётся по душе такая подача, но если вас влечёт искусство - дерзайте. А официальный саундтрек «Wild Girl» от Laetitia Shériff и Olivier Mellano уже год не хочет уходить из моего плеера.

10. Аврил и поддельный мир (2015)

Ещё одна французская работа об альтернативном Париже 19 века в антураже стимпанка. Если до этого разговор шёл о своеобразных проектов, то «Аврил...» - это классическая интересная авантюрная история о спасении близких людей из лап государства, погонь и раскрытия с героем новых локаций Парижа. Попутно вскрывая важные общественные темы (какие - это спойлер), Аврил и компания обеспечат динамичное путешествие. Если вам захочется присоединиться к ним - включайте фильм и приготовитесь встретиться с автоматонами.

11. Хильда (2018)

Как и «Аврил и поддельный мир», «Хильда» имеет свою комиксную основу. Это новый проект Netflix, рискующий получить штамп замены «Гравити Фолз», но у «Хильды» свой мир, где она с друзьями встречает различных мифических существ, чаще всего из скандинавских поверий. Этот скандинавский флёр сильно освежает историю и делает её ламповой. Весь фильм пропитан уютном и теплом, поэтому очень советую отогреваться от холода января теплыми напитками за просмотром пары серий «Хильды». Детские и наивные истории - не значит плохие.

12. Талли (2017) 

2018 год был очень странным и это выразилось даже в том, что одним из моих фаворитов года стал фильм о тягостях материнства. Фильм о том, как многодетной матери на рождение третьего ребёнка подарили ночную няню перерастает в историю о надеждах, мечтах и страхах. Хотя этот фильм стал одним из любимых (я даже купила его на Кинопоиске.онлайн), писать о нём сложно. Не хочется выдавать больше карт, чем имела сама при просмотре. Скажу только то, что Шарлиз Терон - моя богиня, а Маккензи Дэвис создаёт ощущение, что не только её героиня, но и сама Маккензи что-то волшебное и эфемерное.

13. Доверься (1990) 

Почему до этого года я вообще не слышала про Хэла Хартли? Я отчасти тот ещё ретрофил и сума схожу от романтических фильмов до 2000ых. В этих фильмах меня подкупает искренность, неловкость и нелепость событий, но «Доверься» только отчасти такой. филигранно создана и атмосфера, и многослойный сценарий и неподражаемая игра Эдриенн Шелли и Мартина Донована, которых я бы назвала одной из лучших киношних пар. Романтическая история борца против американской мечты (схожесть внешности героя и режиссера явно указывает, с кого был списан образ) и беременной школьницы, которая начавшись как анекдот о глупом поколении заканчивается один из лучших просмотренных мной лент о 90ых.

14. История одного назначения (2018) 

Уже тогда, когда Авдотья Смирнова заявила, что будет снимать фильм по истории о Льве Николаевиче Толстом, началась небольшая критика со стороны исследователей творчества великого писателя. Я слишком далека от Толстого (он мне в какой-то степени даже неприятен) и поэтому ни о какой реалистичности и правдоподобности говорить не могу. Да и вообще не понимаю, зачем искать документальность в худ. кино. Есть границы, где, например, начинают вылезать пятые точки из самолётов и это треш, но большей степени всех героев художественных фильмов надо воспринимать как персонажей историй, не более того. Фильм же не о Толстом, поручиках и барышнях, а о милосердии, о России прошлой и нынешней. И исходя из оценок зрителей и критиков, самых себя мы там всё-таки узнали.

15. Дикая жизнь (2018)

Пол Дано дал свой режиссерский дебют и разорвал мне сердце. Медленный, даже тягучий фильм с локальной, об одной семье, историей, превратился в одно из самых сентиментальных фильмов 21 века о бесприютности взрослых людей.

17. Вторжение к Бергману (2013) 

Документальный фильм, который я так и не решалась посмотреть. Боялась, что вторгнувшись к Бергману, узнаю что-то, после чего не смогу также относиться к Ингмару. И кажется, все грехи и так известны, но всё-таки, слишком страшно, когда разговор идёт об одном из любимых режиссеров. Да вот только, никто так и не вторгается к Бергману, кроме физического действа. Фильм родился из идеи пригласить в бывшие частные владения режиссера несколько кинематографистов, чьи фильмы были найдены на полках Бергмана. В итоге, вторжение происходит в личностные переживания режиссеров-свидетелей, режиссеров-фанатов и просто режиссеров-зрителей. Кто-то почти не был знаком или видел только один фильм, кто-то знает наизусть каждую картину, кто-то слишком болезненно переживает личную драму, кто-то не догадывался с кем был знаком. Фильм предлагает хороший вывод: Бергман - это не скандалы, сплетни и грубость, а тот след, что он оставил в душах других.

18. Магазинчик за углом (1940)

Безумно рада, когда нахожу добрые рождественские и новогодние фильмы. В полку с “Дарами Волхвов” присоединилась забавная история о конфликтующих продавщице и менеджере одного из магазинов в Венгрии. Оба героя влюблены в своих анонимных собеседников по переписке, не зная, что они ведут разговор друг с другом. Это фильм, с которым можно погреть душу, попить какао и помечтать. Ну и лишний раз посмотреть на талант Джеймса Стюарта, считающегося всё ещё одним из лучших актёров Америки. 

#Кинозаписки: «Кто не спрятался» Дэйва Франко

С небольшим опозданием, в начале октября, в российских кинотеатрах начался прокат режиссёрского дебюта Дэйва Франко - «Кто не спрятался» (в оригинале фильм носит более простое название - «Аренда»). В США фильм уже заработал достаточно денег, чтобы начались разговоры о возможности появления сиквела. Оценив фильм в начале как классический и слабый проект Франко, я проанализировала свои ощущения и поняла, что попала в ловушку самообмана. В чём же прелесть хоррор-дебюта Франко и почему к нему нужно присмотреться более внимательно?

Прежде чем обсудить фильм, проговорим “слона в комнате”: Дэйв Франко разделил судьбу многих братьев/сестёр звёзд, которые получили славу позже своих родственников. Большую часть времени Дэйв оставался в тени брата и не воспринимался слишком серьёзно. Тому “виной“ даже не разница в возрасте и стремление многих СМИ отметить смазливую внешность младшего Франко, а разный темперамент. Джеймс Франко как будто живёт с чит-кодами: в самый разгар карьеры вдруг уходит учится в университет, перезапускает карьеру в малобюджетных и скандальных картинах, становится героем нескольких секс-скандалов (и даже обвиняется в сексуальном насилии студентками), пробудет себя режиссёром и попеременно раздражает и восхищает критиков своими фильмами, берётся за слишком одиозные планы и пробует себя в разных профессиях. Джеймс - человек Ренессанса, проблемы от которого отскакивают и не вредят его образу. Когда крайние 10 лет жизни - это карнавал безумия, то любые скандалы воспринимаются как почти норма его жизни. Вот от кого, так от Джеймса Франко можно ожидать чего угодно. Дэйв же, хоть и невольно повторяет актёрский путь брата вплоть до режиссёрского дебюта, характеризуется коллегами как более спокойный и взвешенный, даже замкнутый. О своей личной жизни и браке старается сильно не распространяться, в карьере преобладают простенькие комедии и боевики, лишний раз его имя в СМИ не мелькает и из своей жизни перфоманс он пока не планирует делать. Но именно в тот момент, когда Джеймс Франко пропал со всех радаров, Дэйв тихонько выпустил свой дебют. И тут тоже обошлось как-то обычно: никаких говорящих горилл в сюжете, а помогают с созданием фильма друзья и знакомые друзей. Но это не означает участие ноунеймов: в главных ролях талантливый красавец Дэн Стивенс, супруга Дэйва и комедийная актриса - Элисон Бри, звезда сериала «Бесстыжие» Джереми Аллен Уайт, а также Шейла Ванд, прославившаяся в кругах синемафилов главной ролью в ирано-американском инди=хорроре «Девушка возвращается одна ночью домой». В креслах продюсеров и сценаристов также свои и из своих кругов. В сюжет фильма Дэйв вложил свои переживания и воспоминания. Тут и тревога из-за принятого в обществе доверия к арендодателям, личная история о влюблённости в девушку во время совместного трипа на вечеринке и очевидная подколка Джеймсу - одной из линий сюжета становятся непростые отношения старшего успешного брата и младшего-неудачника. И уже фильмом Дэйв доказал, что искать схожести между братьями - пустое дело. Слишком разные даже в творческих взглядах.

Коллеги Мина (Шейла Ванд) и Чарли (Дэн Стивенс), после удачной сделки по работе, решают побаловать себя и своих вторых половинок уикендом в загородном доме. Чарли берёт с собой свою жену - Мишель (Элисон Бри), а Мина зовёт с собой своего бойфренда Джоша (Джереми Аллен Уайт), по совместительству являющегося младшим братом Чарли. Дом арендуется не без происшествий, так как хозяин не старается сильно скрывать свою неприязнь к арабскому происхождению одной из героинь -  Мины. Кажется, что Франко вырисовывает свою версию «Прочь» Джордана Пила, пряча под обёрткой хоррора социальное высказывание.У зрителей не единожды будет ощущение, что он догадывается о дальнейших поворотах сюжета, но всё это в итоге - ложные дорожки. Социальное высказывание затухает после первого же конфликта. Дэйв Франко оказывается тем ещё шутником, который не то чтобы нарушает правила фильмов ужасов, в его фильмы попросту нет этих законов. Мы привыкли, что когда герои делают определённые действия - к ним приходит расплата, но здесь же компания продолжает тусить и мариноваться в собственных взаимоотношениях, а обещанное неминуемое зло не торопится ворваться в их мирок. Только постепенно герои начинают замечать странности в доме и тут кажется, что история повернётся в одном из классических направлений...и не поворачивается. Только в последние 30 минут фильм сделает разворот и даст нужную разрядку. Но всё происходит так стремительно и хаотично, что хочется возмутиться. Весь фильм кажется неправильным и как будто спешно смонтированным. Но со временем понимаешь - так это и было задумано. Франко вдохновляется и классическим хоррорами и новой волной, сбалтывая всё вместе и превращая свою историю во что=то новое. Социальный контекст и обманки взяты из новой волны, но вся атмосфера фильма традиционная: с долгой экспозицией, где зло не появляется, но его дыхание чувствуется. Привет, Карпентер! 

«Кто не спрятался» раскрыл в Франко нетривиального режиссёра, умеющего играть с ожиданиями зрителей и не поддаваться им ни на секунду. Счёт игры открыт - 1:0 в пользу Франко. Дебют не вышел блестящим, как у его коллег Пола Дано и Джоны Хилла, но и «среднечковым» кино фильм точно нельзя назвать. Единственное, чего точно не хочется - это превращения фильма в серию. «Кто не спрятался» хорош в своём единственном количестве, как пример хоррора без правил, задачки без решения и условий. Дважды в эту реку не войти.

«11'09''01 - September 11» Юсефа Шахина, Амоса Гитая, Сёхэя Имамуры и т.д.

20 лет назад мир переменился навсегда. Рухнувшие башни-близнецы стали символом не только национальной, но и всемирной трагедии (из-за дальнейших решений американского правительства и активной истерии СМИ) и поворотным моментом в новейшей истории. Америке, опьяненной надеждами на новое тысячелетие, было сложно представить, что в центре крупнейшего города (в столице мирового бизнеса) одной из сильнейших стран мира может быть смертельно опасно. Пораженные страхом и горем, люди стали искать врага: одни видели зло в мусульманах (исламофобия), другие увлеклись теориями заговоров и виновниками могли быть кто угодно от американских спецслужб до рептилоидов. Говорить о дате 11.09.01 можно бесконечно, это трагично известный день в истории (сегодня я даже прочла статью о том, какая связь между 11 сентября и закрытием шоу Эллен Дедженерес в 2021 году), но что же случилось с кино после данного события?

Немецкий философ Теодор Адорно в своём эссе заявил, что «Написать стихотворение после Освенцима - варварство». Адорно имел в виду не то, что поэзия невозможна или неэтична после трагедии концлагерей, а о том, что столь сильное потрясение требует нового языка в искусстве, новых способов рассказать. Кратко говоря - миру нужно переосмыслить событие. Тоже самое случилось после 11 сентября для американский кинематографистов - "после башен-близнецов снимать кино - варварство". На долгие годы студии боялись подходить к теме 11/09, занявшись самоцензурой фильмов, где стирались любые упоминания о башнях или триггерные образы. Американцы больше не хотели видеть в кино боевики и фильмы-катастрофы, особенно те, где фигурировали захваты самолётов, разрушение мегаполисов и терроризм. Хитами нулевых стали семейные фильмы, фантастика и фэнтези, т.е. всё то, что было очень далеко от реальности. Постепенно блокбастеры стали возвращаться в строй, в 2005 году затяжную паузу окончила «Война миров» Стивена Спилберга о вторжении инопланетян на Землю. Фильм на родине был встречен довольно прохладно, зритель всё ещё не хотел видеть как рушатся здания и на улицах оседает пыль. Другие блокбастеры учли ошибку Спилберга и выбирали полем боя не крупные города Америки, а битву в пустынях, захолустьях или камерные фильмы, где события происходят в рамках одного дома, самолёта или машины. Жанром, который помог Америке заговорить о трагедии стало супергеройское кино. Если власть и армия не может спасти граждан от угрозы, то на помощь должен прийти кто-то сильнее, выше и умнее.

Конечно, супергеройское кино было и до 2001 года и одна из “жертв” (обратить внимание, что в кавычках, ибо я не считаю уместным ставить равенство между человеческими жертвами и проблемами маркетингового отдела) террористического акта - первый «Человек-паук», где с постера и трейлера пришлось вырезать башни-близнецы. Но Питер Паркер - это хороший пример того, каким супергерой был “до” перелома событий: уязвимый парень из крови и плоти с крутыми способностями и вечными проблемами с защитой близких. Злодеи могли похитить его возлюбленную или тётю. Иные супергерои в команде «Мстителей»: почти неуязвимые “боги”, до которых не долетают пули и стрелы. Такие герои способны защитить жителей мегаполиса от любого зла. Ноланский «Бэтмен» уязвим, но Брюс Уэйн использует для борьбы с террористом-Джокером аналогичные методы, что и американское правительство - тотальный контроль и слежку за гражданами. Супергерои стали новыми защитниками страны, ядром американской мифологии и символом поднятия патриотического духа. Не просто так свой супергерой есть не только у каждого мегаполиса, но и у каждого крупного района города. Можно увидеть, что для американского кино пройдут почти десять лет, чтобы начать открыто говорить о трагедии и её жертвах, но до сих пор прямой дискурс об 11 сентября вызывает у американских зрителей отторжение (если судить по сборам). Иное дело - фильмы, которые иносказательно повествует о трагедии. Таким фильмом стала «Прогулка» Роберта Земекиса о французском канатоходце Филиппе Пети, который решился пройти без страховки по канату, натянутому между нью-йоркскими башнями-близнецами. Кино, повествующее о событиях 1970ых годов, оказывается историей не только о смелой затеи, но и о мимолетности спокойствия мира, ведь зритель, в отличие от героев фильма, знает будущее башен-близнецов.

Если американское кино было травмировано событием, то европейскому кинематографу было, что сказать. Упомянутый выше Теодор Адорно уже дал объяснение тому, почему Старый Свет научился проговаривать свою травму. Европа, как в меме про сову, “seen some shit”. Именно поэтому в 2002 году выходит альманах историй «11'09''01 - September 11», в котором приняло участие 11 режиссёров из 11 стран мира (от Мексики и Франции до Буркина-Фасо и Ирана). Каждому дали ограничение в 11 минут, 9 секунд и 1 кадр. Каждый рассказал о трагедии с точки зрения своего культурного кода. И вот какая вышла ирония - режиссёры, творя в отрыве друг от друга свои новеллы, приходят к общему выводу, что США есть за что посыпать голову пеплом и многие трагедии соседних стран ничуть не уступали по боли падению башен. Отличие одно - США были не интересны драмы этих стран, а боль перерождается в злобу. Единственный способ - быть более чуткими друг другу, но политике чуждо сочувствие, поэтому именно люди должны перестать делить мир на жителей стран первого и третьего мира. И нет искусства более подходящего для строительства моста между людьми разных культур и языков, как кино. Зритель, открывший сердце фильму, услышит-увидит-прочувствует “чуждую” страну, окажется в шкуре героя и узнает, что там живут такие же люди, которые также хотят жить в безопасности, свободе и любви.

Режиссёры Кен Лоуч (Великобритания), Юсеф Шахин (Египет) и Данис Танович (Босния и Герцеговина) в своих работах прямо говорят о слепом вмешательстве США в дела Чили (по иронии, переворот Пиночета, который принёс стране столько боли и крови, был именно 11 сентября), Ближнего Востока и Восточной Европы. Юная режиссёрка Самира Махмальбаф (Иран) с тревогой отмечает, что США захотят отомстить за теракт и пострадать могут обычные афганцы (в итоге, мы знаем, что США вторгнутся в почти соседний Ирак). Самира, как и в своём дебютном фильме, показывает событие через наивный взгляд детей и их молодой учительницы, для которых Америка и мегаполисы - это что-то очень непонятное, опасное и далёкое.

Алехандро Гонсалес Иньярриту (Мексика) создаёт сильнейшую из новелл фильма, лишив зрителя “картинки” и оставив только звуковое сопровождение из обрывков разговоров, плача и признаний в любви. Гонсалес Иньярриту резко критикует тот тон, который выбрали СМИ для освещения событий. О СМИ рассказывает и Амос Гитай, который с иронией рассказывает о том, как местных журналистов волнует взрыв автомобиля на улице города, когда ещё никто не подозревает, что за океаном прогремел настоящий взрыв. Новеллы Клода Лелуша (Франция), Шона Пенна (США), Идриссы Уэдраого (Буркин Фасо) и Миры Наир (Индия) концентрируется на личном факторе трагедии. Как финальный аккорд звучит новелла Сёхэея Имамуры (Япония), где задается вопрос о том, может ли быть “святой” хоть какая-нибудь война и как вера может оправдать шаг человека на убийство? «11'09''01 - September 11» подводит горький итог, что событие, ставшее национальной трагедией для американцев, для остального мира может быть очередным вторником. 11 сентября 2001 года США потеряла свою “невинность”, встретившись лицом к лицу с ощущением небезопасности в собственном доме. Но практика показывает, что со временем и с этим ощущением смиряешься. По сути каждый из режиссёров рассказал о национальном опыте смирения, будь это атомная бомбардировка в Японии, переворот в Чили, война в Югославии или отторжение западным миром мусульман как заведомых террористов.

P.s. Небольшая история о том, насколько западный зритель был далёк и не заинтересован в вопросе жизни в странах третьего мира. В 2001 году в конкурсных программах фестивалей участвовала картина иранца Мохсена Махмальбафа (отца вышеназванной Самиры) «Кандагар». До трагедии фильм был мало отмечен фестивалями, но после 11 сентября зрители стали внимательней вникать в далёкую для Запада трагедию Афганистана, в которой прочитывается шаткая ситуация всего Ближнего Востока.

Сериальный январь Даши с Нетфликсом

«Леденящие душу приключения Сабрины» (2018-2020), 4 часть, 8 серий

31 декабря встретил меня финалом совсем краткой эпопеи про Сабрину Спеллман и её друзей. Первые два сезона (хотя фактически сериал разделён на части (part), а не на сезоны) были хорошей историей про сатанинских ведьм, где эстетика увлекала зрителей в мир захолустного проклятого города Гриндейла, а сюжет больше интриговал, чем бесил. Но с 3 сезона атмосфера была подпорчена, а сюжет стал хромать на обе ноги. Но это всё дела прошлого. Чем же обернулся финальный сезон?

Разочарованием. Первые серии внушали веру, что сериал может выплыть на уровень первых сезонов, но на 4 серии стало ясно, что на нормальных сценаристах вновь сэкономили. Можно переложить вину за кривость финальной главы на Нетфликс, мол они неожиданно закрыли сериал и пришлось так быстро и куцо закруглять повествование. Но мне кажется, что этим можно оправдать только финальную серию, а не весь сезон.

В отличие от предыдущего сезона, у четвертого были интересные и пугающие антагонисты, вышедшие как будто со страниц оригинального комикса. Древние Ужасы вполне справились со своей задачей: они страшнее прошлых злодеев, а победу героям одержать всё труднее. Но они же и раскрыли слабость сценаристов: непоследовательность. Не хочу ныть тут о логических нестыковках с прошлыми сезонами, хотя для столь компактной истории (36 серий и 2 года, это почти как полтора сезона тв-шного сериала) явление довольно странное. Проблема в том, что новый сезон разрушает для зрителя базис первых сезонов. Антагонист, которого герои боялись два первых сезона, в финале становится не просто слабее, он становится шутом. Расставленные в прошлых сезонах чеховские ружья оказываются бессмысленной тратой сцен. Для примера, начатая ещё в первом сезоне история младенцев Юдифь и Иуды оказывается холостым выстрелом. Юдифь и Иуда вроде как двигают сюжет, у кого-то есть какие-то мотивы с ними, но оглядываясь назад, понимаешь, что оба персонажа лишние в истории. Это вообще стало классикой «Сабрины», где каждый сезон заканчивался клиффхэнгером только для того, чтобы в следующем сезоне узнать, что не так страшен чёрт, как его малюют. Туда же можно добавить и странное изменение характеров и мотивов поведения героев. Не называя имён, но в финальном сезоне одна пара ругается и делает друг другу больно, чтобы на следующий день сказать друг другу о любви. При этом почти отсутствует катализатор для столь быстрого перехода от режима “пофиг, новая жизнь” в режим “я всё ещё люблю”. Всем было очевидно, что воссоединение случится, но почему-то создатели пожалели хронометража для более гладкого и постепенного восстановления отношений. 

В сравнении с сезоном про язычников, финальная история кажется сильнее. Есть интересные серии, например та, в которой обыгрывается ситкомовское прошлое персонажей. Будь это промежуточным сезоном, я бы оценила сюжет положительнее, но от финального ждёшь достойного завершения всех арок. Вместо этого за 8 серий из истории наделали салат, нарезав и перемешав все события. Это ещё одна проблема Netflix: они выпускают очень короткие сезоны и некоторые команды не умеют работать с такой формой. Чувствуется, что создателям «Сабрины» не хватило ещё дополнительных двух-трёх серий, чтобы история была цельной. Кратко говоря, весь сериал можно охарактеризовать фразой: начали за здравие, а кончили за упокой.

«Судьба: Сага клуба Винкс» (2020-...), 1 сезон, 6 серий

С самого начала мне нужно будет признаться: в моём детстве Winx не играли важной роли. Я была большим фанатом Тотали Спайс, H2o, Чародеек, но рисовка мультсериала про феечек меня отталкивала. Признание номер 2: я была администратором ролевой игры по Winx и играла за Флору. Из этого я могу сказать два вывода: я не очень в курсе матчасти, но убеждена, что это крупный культурный феномен в детской анимации. По какой-то причине блестящие и гламурные феечки из Италии стали востребованы во всём мире. Через 16 лет эти феи вновь возродились уже героями молодежного сериала и очень удобно попали в период, когда многие молодежные проекты у Нетфликса были закончены или закрыты. 

Netflix отлично прорекламировали сериал, используя свою славу. Почти сразу же с новостью о подготовке проекта был пущен слух, что новые феи и специалисты будут классическими подростками Нетфликса: секс, наркотики, эмоциональные травмы, ЛГБТ. Ближе к выпуску сериала, Нетфликс подтвердил, что содержание будут довольно взрослым. Всё это время в фанатском сообществе не угасали обсуждения о том, правильно ли всё это: менять историю и персонажей, добавлять что-то новое и взрослое. Не является ли это паразитированием на бренде? По моему мнению, нет ничего ужасного возродить сюжет истории 16-летней давности в более приемлемом для подросшей аудитории фанатов. Я вот решила подготовиться к сериалу, включила крайний сезон мультсериала и перекрестилась. Он стал ещё более детским, чем был в 2004. 

Если кратко говорить о сериале, то о нём можно сказать только одно слово: норм. «Судьба: Сага клуба Винкс» похож на многие другие сериалы про особенную девушку, которая попадает в иной для себя мир и пытается разгадать с новыми друзьями тайну своего рождения. У сериала вновь совсем мало времени на истории (всего-то 6 серий), что выглядит не как цельный сюжет, а подготовка к событиям. 5 серий зрителю рассказывают о любовных и дружеских перипетиях героев, смешивая с небольшими сценами таинственных разговоров, мол “им лучше не знать правду”, “мы скрывали это 16 лет”, “я хочу узнать, какие секреты таятся в этой школе”. Но даже тут выходят косяки. Любовные и дружеские отношения могут построиться вне сюжета или совершенно неожиданно: две сцены и персонажи влюблены; девушка, которая не общалась с остальной частью команды, вдруг готова рисковать ради незнакомок и эмоционально к ним привязана. Сцены же таинственных “муток” довели меня, как зрителя, до потери ориентации в сюжете. Я банально запуталась, кто там хороший и плохой и кто что скрывал. Если будет второй сезон, будем надеяться, что в плане сюжета всё будет более складно. Но сложно отрицать, что перевод Винкс из мира мультфильма в мир молодежного фэнтези - задача не самая лёгкая и создатели успешно интегрировали феей и их способности в несовершенный реальный мир. 

Интернет уже обсудил немного более взрослых актрис, чем нужно. По девушкам и правда видно, что им не 16, а по 25 лет. Но куда более смущает меня...блеклость гардероба у персонажей. Они все одеты серо и за 6 серий только пара нарядов зацепило мой глаз. А ведь чего у этих феечек никогда нельзя было отнять, то это яркости и шика в нарядах. Вдвойне обидно, что «Сага клуба Винкс» вышла именно тогда, когда мода 2000ых с гламуром и плюшевостью становится вновь актуальной.Ведь самое время “сиять ярко, словно бриллиант”.

«Тайный орден» (2019-2020), 2 сезона, 20 серий

История о парне, который случайно в университете оказывается в эпицентре войны магов и оборотней, закрылась на Нетфликсе неожиданно из-за финансового ущерба индустрии пандемией. Но в отличие от других закрытых в это время шоу, «Тайный орден» более пресный и скучный проект. Первый сезон - это вообще мой кошмар, нифига не понятно, а на деле все события можно пересказать в трёх предложениях без потери какого-либо смысла. Плюс - весь сюжет сплетён из самых топорных клише и очевидных поворотов сюжета (да, главная любовная линия тут начинается с драки главного героя Джека с крутым парнем на глазах будущего любовного интереса - девушки Алисы). Во втором сезоне создатели учли многие ошибки и стало не так грустно. Серьёзное повествование сменилось на более комедийное с нотками черного юмора, а на первый план вышло харизматичное братство оборотней, которые в первом сезоне были больше второстепенными персонажами. Добавились неплохие любовные линии. Но сериал был приговорен к смерти с самого начала: у него до ужаса унылая главная любовная пара, а весь сериал строится именно на их переживаниях (тут классика в виде, он не может быть с ней, а потом она не может быть с ним, а потом оба вроде как могут, но ломаются, а потом вновь обстоятельства разделяют влюблённых). Любовный интерес главного героя - Алиса - совершенно никак героиня, которая на протяжении двух сезонов мотается с одного угла в другой, активно предавая всех вокруг. К концу второго сезона все второстепенные персонажи начинают вызывать симпатию, но только не главные персонажи. «Тайный орден» реально вымотал меня во время просмотра, но мне немного жаль прощаться с компашкой оборотней. Они классные. Надо было с самого начала послать всю эту скучную хрень с тайным орденом и оставить рыцарей-оборотней. Придурки-вервольфы, которые бухают, дурачатся и время от времени убивают магов или сами колдуют = ну просто заи. 

P.s. Хэмиш Дьюк и Вера Стоун - просто мои краши.

«Люпен» (2020-...), 1 сезон, 5 серий

И вот мы дошли до того сериала, который смог меня порадовать, а то я только ругаюсь на сериалы. «Люпен» - обаятельная попытка Франции осмыслить своего знакового литературного персонажа, вора и авантюриста Арсена Люпена, в современных реалиях. Вышло не так мастерски, как у британцев с Шерлоком Холмсом, но достаточно увлекательно, чтобы назвать «Люпена» находкой Нетфликса. Ещё одним важным уточнением «Люпена» является то, что фактически героем является не Арсен Люпен, а его фанат из современного Парижа, который черпает вдохновение и идеи для своих махинаций из книг Мориса Леблана. Ещё недавно французы были очень огорчены сериалом «Эмили в Париже», потому что Франция и Париж там открыточные и полны неприятных, для французов, стереотипов. «Люпен» же может стать ответом, как Франция хочет, чтобы её воспринимали. Тут и обязательный Лувр, пляжи Франции, злачные места Парижа, локальные шутки, элегантный авантюризм и мультикультурность французской нации (главный герой Ассан Диоп является сыном эмигранта из Сенегала). 

В «Люпене» сюжет и визуал настолько динамичный, что зритель не успевает очнуться, как все пять серий пролетели. Да, Нетфликс и тут “порадовал” коротким сезоном и впервые мне было настолько обидно, что придётся ждать второго сезона. У «Люпена» есть слабые стороны (излишне серьезное отношение сериала к самому себе, логические нестыковки в сюжете, да и Омар Си в реальности вряд ли тянет на гения маскировки), но всё это меркнет перед почти детским волнением от лихого сюжета про благородство, любовь, месть и авантюризм. «Люпен» - сериал со вкусом и если не ждать от него ничего большего, чем развлекательного зрелища, то просмотр принесёт массу удовольствия. 

#Кинозаписки: «Спутник» Егора  Абраменко

Акиньшина

В нашей стране космос любят, в нашей стране космос - это вторая гордость после победы в войне. Совсем недавно, смотря с родителями документальный сериал о планетах, на упоминании Нила Армстронга, моя мама скривилась: «Да, конечно, идиоты. Ага-ага, были вы на Луны, всё вам наврали, а вы только рады поверить». Вот подумаешь, какая разница сейчас, в 2020 году до событий 1969 года. Если вопрос победы над нацизмом болезнен по весомой причине, то есть ли разница сейчас? Космос россияне любят, но что самое громкое за последние годы было от Роскосмоса? Не открытия, не победы, а то, как Рогозин топил таксу в воде. Отсутствие громких событий в современных реалиях заменяется фильмами о том, как было славно тогда, в стране Советов. Тогда люди верили в славное будущее, верили в скачок научного прогресса невиданного масштаба и главное, верили, что надо потерпеть и страна будет самой лучшей-лучшей в мире. Теперь мы знаем, что отличие россиян от других в том, что они - Земфира, а мы - тот, о ком она поёт. В плане, что мы “конечно, сразу в рай”, а они “не думаю, что тоже”. Я всё это написала, чтобы показать, что мои ожидания от фильма не были высоки: снова и снова в нас пытаются зажечь искру веры историями о прошлом. Новая история о космосе и величии нашей страны, но под соусом хоррора? Нажимая кнопку “play”, говорю себе: Поехали!

«Спутник» вырос из 10-минутной короткометражки 2017 года - «Пассажир», где кроме героя Артура Смольянинова (космонавта, вернувшегося с миссии), в квартире никого нет. Ну, почти никого. Весь малый хронометраж зрителя не отпускает чувство клаустрофобии и присутствие кого-то ещё. Если вы знакомы с космической фантастикой, то уже по названию короткометражки поняли, что вместе с мужчиной на Землю прибыла и иноземная тварь. Полнометражка этот сюжет развивает, но вместе с этим и меняет точку зрения. Если в «Пассажире» главным героем был мужчина-космонавт, то в «Спутнике» - это она, женщина-психиатр, которую добровольно-вынужденно привезли на секретную базу, где держат космонавта Вешнякова (Смольянинов сменился на Пётра Фёдорова) с его тварью. Вешняков о твари внутри себя не догадывается и поэтому теряется в догадках отчего он как преступник в изоляции. Иронично, но зрители, как и все герои фильма - изолированы от мира и оторваны от своих планов. За три года от «Пассажира» до «Спутника» проект претерпевает весомую трансформацию от визуала до сюжета (разница даже в эмоциональной окраски от синонимических названий: незнакомый “пассажир” становится знакомым “спутником”). При этом в основном команда у фильма остаётся прежняя (замены в большинстве своём были технические): режиссёр, оператор, композитор всё те же. Закономерно меняется (а лучше сказать, появляется) актёрский состав. Главная замена случается в сценарии: сценарий Романа Волобуева полностью переписывается Олегом Маловичко и Андреем Золотаревым. И в итоге сценарий становится главной черной дырой фильма, куда проваливаются все успехи фильма.

В фильме нет явной халтуры, видны старания команды, но на поле боя с фильмами на ту же тему -  от «Спутника» чувствуется шлейф вторичности. Центральных персонажей тут всего четыре: космонавт (Пётр Фёдоров), психиатр (Оксана Акиньшина), полковник (Фёдор Бондарчук) и врач (Антон Васильев), но в конце фильма я словила себя на том, что я даже не знаю этих людей. Это образы с данными характеристиками, а не живые люди. И эти образы существуют в попытке молодых и амбициозных дать ответочку Западу. Только весь фильм прошивается этим Западом: тут «Чужой» Ридли Скотта, тут «Живое» Даниэля Эспиносы, а тут «Прибытие» Дени Вильнёва и т.д. И ни до одного из цитированных фильмов «Спутник» не дотягивается. То, что начиналось в «Пассажире» как психологический хоррор становится коктейлем из жанров, где теряется и весь хоррор и весь психологизм. Остаётся только растерянность на лицах актёров и зрителей и довольно крутой финальный твист.   

В фильме пытаются воссоздать эстетику 80-ых (благо, в стране всё ещё слишком много местностей, застрявших в 80ых) и где-то это выходит хорошо (костюмы и застывшая вокруг и на лицах героев усталость ожидания чего-то светлого), а где-то средне (стартовый набор советского человека: песня «Миллион алых роз», фильм «Через тернии к звёздам», матрёшка и черные воронки). Операторская работа Максима Жукова как будто сбежала из фильмов Финчера, но возможно это мне так почудилось. Из «Спутника» могло выйти достойное кино, если бы с ним ещё немного поработали и продумали детали, усложнили бы повествование. На этот сюжет так и проситься игра с ожиданиями зрителя. с его восприятием событий. Но в итоге получилось то, что получилось: «Спутник» = сделанный как по методичке фильм, с неудачным сценарием и блеклыми героями.

#Кинозаписки: «Оно 2»  Андреса Мускетти

В 2008 году малоизвестный аргентинский режиссер вытащил свой детский страх и увековечил переживание в 3-минутной короткометражке с наивно написанным детской рукой названием «Мама», где две маленькие девочки тихонько пытались выбраться из своего дома. В короткометражке не было ни подводки, ни истории происхождения монстра, просто безнадёжность от токсичной заботы. После этой короткой работы Андреас Мускетти снял всего лишь три полнометражных фильма. В 2013 году вышла полнометражная версия «Мамы», продюсером которой выступил Гильермо Дель Торо и которая поразила критиков своей чувственностью, а в 2017 и 2019 годах вышли «Оно» и «Оно 2».

Андреас (или куда привычнее - Энди) Мускетти верил в свои страхи и поэтому «Мама» пугала. По мне, вера - важный столп кинематографа, оживляющий картинки на экране и заставляющий зрителей сопереживать происходящему. Но настоящие страхи, которые пожирают современных людей - это не страх живущего в темноте (отчасти религиозное переживание сиротства человечества в мире, покинутом Богом), а то, что монстр внутри тебя. Это не нужно понимать буквально, как «я когда выпью - себя не контролирую». Просто зрителей больше не страшат Дракулы и вопящие бабульки, но их пугает одиночество, депрессия, абьюзивные отношение, расизм, терроризм, сексизм и т.д. «Новая волна хорроров» базируется именно на бытовых ситуациях мира одиночества в социуме и тем самым, кроме страха, фильмы трогают зрителей и обнажают шрамы. Мускетти не совсем тоже самое, что и звёзды инди-хорроров, вроде Ари Астера и Дэвида Роберта Митчелла, но и поставить его работы в один ряд с сериалом Джеймса Вана было нельзя. В нём пока не совсем выработался авторский подход, но было желание уйти от всё более клишированного конвейера студийного производства. «Оно» стало шансом, чтобы доказать, что имя Мускетти чего-то стоит.

Разработка экранизации хита Стивена Кинга шла около 7 лет и уже казалось, что пора бы просто отпустить идею. С одной стороны, у «Оно» уже была хрестоматийная экранизация с культовым образом Пеннивайза и нужно будет очень постараться, чтобы перепрыгнуть образ Тима Карри. Также существовала проблема с тогдашним режиссером и сценаристом фильма Кэри Фукунаги, который хотел сделать более взрослый рейтинг фильма и не желал, чтобы в его творческий процесс влезало мнение студии. С другой стороны, «Оно» 1990 года уже и в своё время выглядел немного странно и нелепо, хотя нужно понимать, что это был тв-сериал и пустить в то время по телевидению историю об убийстве детей клоуном - уже почти подвиг. Теперь же был шанс сделать всё более мрачнее, свободнее, правдивее и дороже. В итоге, после скандала с родителями актёров, когда после прочтения сценария почти весь детский каст ушёл (остался только Финн Вулфард, исполнивший роль Ричи), режиссерское кресло предложили Энди Мускетти, который отредактировал существующий сценарий Фукунаги, и как он сообщил, добавил больше сцен из книги. Фильм стал хитом своего года, вторив мейнстриму тоски по 80ым («Стражи Галактики» (2014), отчасти «It Follows» (2014), «Очень странные дела» (2016), «Лето 84» (2018) и далее). Если полнометражный дебют «Мама» рассказывал о родительстве, то «Оно» было притчей о взрослении и преодолении детских страхов, где и тематике токсичных родителей тоже досталось места. Звёзды сошлись над этим фильмом: удачное попадание Билла Скарсгарда в образ Пеннивайза (и теперь можно сказать, что Пеннивайз-Скарсгард вытеснил Пеннивайза-Карри в хрестоматийности), химия дружбы между актёрами-детьми и запоминающиеся визуальные решения. Фильм не то чтобы пугал, а больше волновал, задевал в зрителях воспоминаний о том, как они сами с друзьями гуляли и попадали в переделки. Мы все из своих клубов неудачников и у нас есть свои удушливые маленькие городки/районы, да и локальные «шутки про мамок». Неким острым углом ситуации стало то, что «Оно» состоит из двух частей и успех первой части являлся только половиной пути, важно было верно закончить историю. Для этого у Мускетти было два года и ситуация со сценарием. Как я говорила ранее, сценарий перешёл в наследство от Фукунаги и был только переписан режиссером, которому в этом отчасти помогал Гэри Доберман. Вторая часть бы прояснила: в сценарии первой части было больше Фукунаги или Мускетти-Добермана? После просмотра «Оно 2» могу сказать, что видимо, всё-таки Фукунаги. Но не буду торопиться

«Оно 2» получило масштабную рекламную акцию, хотя и так было ясно, что фильм итак будут ждать. Одной из тем, которую всех интересовала - как будут выглядеть повзрослевшие герои первой части. Детям-актёрам даже предложили пофантазировать и двое из них попали в самое яблочко: София Лиллис видела взрослую Беверли как Джессику Честейн, а Финн Вулфард назвал комика Билла Хейдера идеальным Ричи. Из звёзд также фильм пополнился Джеймсом МакЭвоем в роли взрослого Билла. В плане каста фильм вновь попал в 10-ку, персонаж в детстве и во взрослом возрасте выглядят как один человек и в особенности в этом выделились  Билл Хейдер, который перенял все ключевые черты поведения маленького Ричи и Джеймс Рэнсон, портретным сходством которого с Джеком Грейзером фильм буквально похвастался. Успех первого фильма позволил влить больше денег в производство второй главы и это приятно отразилось на визуальной части, подарив несколько красивых и пугающих сцен. Например, изобретательные сцены с МакЭвоем на фестивале или сцена в туалетной кабинке с Честейн. Но почему-то сцены стали менее запоминающимися. Не спасли фильм и отсылки с камео, которые попадали в молоко. Ох, супер, вот и Стивен Кинг шутит про неудачные концовки книг Билла, вот это метаирония!

Но минусы режут глаза сильнее. Во втором фильме бес попутал всех и, имея на руках наводящего страх своей пластикой и мимикой Скарсгарда, создатели начинают пугают компьютерно созданными чудовищами, графика у которых в иной раз почему-то ну совсем слабая.Неудивительно, что все эти гигантское монстры пугают меньше, чем всего лишь одна сцена с Пеннивайзом без грима. Динамика дружбы в Клубе Неудачников оказалась потерянной. Конечно, и в реальной жизни былые друзья встречаются и не чувствуют близости, но ведь не когда через весь фильм проходит красной линией мотив единства в победе над клоуном. А этого единства нет, просто несколько человек, действующих отдельно друг от друга до самого конца, где только в одной из финальных сцен есть чувство объединения команды. Юмор, который казался уместным для компании детей, теперь ощутимо вынужденный. Он не подчеркивает близость (как в первой части), а только пытается имитировать её.

Вторая часть оказывается в болезненной зависимости от первой, превращаясь не в продолжение или самостоятельное произведение, а в расширенное пояснение событий. Герои выросли и забыли, что было с ними и поэтому «Оно 2» одаривает зрителей флэшбеками, где одна половина - аллея славы самых удачных сцен из первого фильма, а вторая - показывает куда более ламповые взаимодействие Клуба, чем в нынешние дни. Возможно, это было сделано с расчетом, что кому-то будет слишком лень смотреть первую часть, но в итоге выглядит это как высосанный сиквел успешного фильма, а не как логически обоснованная вторая часть. У фильма в этот раз один сценарист - Гэри Доберман (именно он ответственен за сюжет кукол Аннабелей и Поклятие монахини) и видимо, он не смог найти золотую середину между препарированием героев и скримерами. В итоге главному в сюжете, а именно психологическим травмам, оказывают слишком пренебрежительное внимание: герои просто излечиваются в нужный по сценарию момент. Получается, чтобы пережить трагедию, её нужно только проговорить (нет). Это губит потенциально сильный на бумаге исход битвы, который получает слабое воплощение. Победа над своими страхами героям далась по воле сценария, от того и их оружие против Пеннивайза многим зрителям оказалось не до конца расшифрованным.

Для фильма, который на протяжении 3-х часов напоминает нам шутку про неудачную концовку книжного оригинала, «Оно 2» само не избегает такой же участии, затягивая разрешения конфликта. Кинематографичная концовка оказывается не так-то сильно и отличается от книжной: из важного вырезали только слишком фантастический и неуместный для атмосферы фильма момент с черепахой. То ли создатели так верили в свой замысел, то ли уже предсказывали что не избегут проклятия неудачной для фанатов концовки. Мне хотелось верить в Энди Мускетти. Но пока что выходит, что влияние Дель Торо в «Маме» в роли продюсера оказалось сильнее, чем я предполагала. В 2013 году я видела в нём единомышленника Гильермо в плане сентиментальности и «сочувствия дьяволу», но дилогия «Оно» показала, что Мускетти комфортнее воплощать чужой замысел, а не создавать что-то своё. И это печально, ведь 11 лет назад в 3-х минутах всё было страшнее и болезненнее, чем в 3-х часах. Конечно, всё относительно: в плане сравнения с другими ужастиками в прокате -  «Оно 2» всё ещё чуточку изобретательнее, чем соседи по жанру в прокате. Но, используя золотые цитаты с волкам: