Галопом по просмотренному. Лето 2021. Часть 1
Галопом по просмотренному. Лето 2021. Часть 1
«Кукла», Мексика, 2020, хоррор, реж. Адриан Гарсиа Больяно
Молодая няня София, пока её работодательница отлучилась по делам, сидит с тремя детьми в большом доме. Вскоре им предстоит столкнуться с демоном, который очень хочет, чтобы с ним поиграли.
Адриан Гарсиа Больяно - мексиканский режиссёр, который сосредоточился в большинстве своём именно на хоррорах. Иные его работы не выходили за рамки Мексики, а последнюю работу выкупили несколько стран, в том числе и Россия. «Кукла» обладает классической фабулой: тут и молодая няня с травмой в прошлом, большой особняк с кучей комнат, непослушные вредные дети и случайно зашедшее в гости древнее зло. Из последнего такого же - «Няня» Флории Сигизмонди и сериал «Призраки усадьбы Блай». Первая половина фильма успешно справляется с удержанием внимания зрителя, но как только на сцене появляется демон во всей своей сути - страх пропадает. Монстр не выглядит таким пугающим, как рисовало воображение, а действия дальше происходят довольно вяло. Всё то напряжение, что успешно нагнеталось первой половиной фильма лопается как мыльный пузырь.
Разочаровывает и то, что фильм тратит время на моменты и персонажей, которые совсем не будут играть роли в сюжете (как, например, влюбленный в няню охранник). Актёрская игра вполне на уровне жанра, хотя ближе к финалу уже кажется, что актёры усиленно переигрывают. «Кукла» - это хоррор, сделанный по всем стандартам ужасов - есть обязательные пугающие скрипы и стуки, громкие неожиданные звуки, мигающие лампочки, тени в углах, нагнетающая музыка. Не достаёт фильму только одно - уникальности. Адриан Гарсиа Больяно как будто боится рискнуть и хоть немного отойти от надоевшего уже всем классического стандарта хоррора.
«Байкал. Удивительные приключения Юмы», Россия, 2020, документальный, реж. Анастасия Попова
Однажды в одном древнем-предревнем, глубоком-преглубоком, чистом-пречистом озере, где море опасностей, случилось чудо! В маленьком снежном домике появилась на свет крохотная, необыкновенно любопытная и очень смелая Юма! Ей придется в одиночку совершить далекое-предалекое путешествие на неведомые Ушканьи острова. Путешествие, полное таинственных угроз и чудесных спасений! Поможет ли Юме великий отец-Байкал добраться до цели? Увидит ли она заветные острова?
Сейчас я разочарую всех, но...вся эта история с приключением Юмы - банальный маркетинг, чтобы затащить на сеанс родителей с детьми. Да, маленькая нерпа будет сюжете, но, дай бог, нерпам отведена половина хронометража и там нет никакого путешествия - простое наблюдение за повадками нерп, коих много и в других научно-популярных фильмах. Главное отличие от иных фильмов - это немного фальшиво-умилительная интонация голоса Чульпан Хаматовой (которая и отвечает за закадровый голос в части фильма про нерп). Фильму вообще хватает “умилительности” - весь рассказ о Байкале (голосом уже Хабенского) полон сладких и сугубо позитивных характеристик. Кажется, что у Байкала совсем нет проблем и угроз, сплошной рай (хотя это совершенно не так). Вторая часть фильма посвящена озвучиванию википедийных фактов о Байкале и жизни местного населения. Местные жители также, судя по фильму, живут в блаженстве и всего у них хватает. Я не спорю, Байкал - прекрасное место и хочется воспеть ему оды, но где-то внутри теплилась надежда, что этот фильм поднимет проблему сохранения первозданной красоты и чистоты вод Байкала, а не только покажет “рекламный ролик” длинную в час.
Я смутно подозреваю, что «Байкал. Удивительные приключения Юмы», как и другой проект с Хабенским - «Огонь» - это такой заказной проект в защиту действий местных властей. Только вот «Огонь» - это приятный пример, показывающий как работает и рискует пожарная бригада (я вот представляла это по-иному) с осторожной и небольшой, но критикой сложившейся системы. «Байкал. Удивительные приключения Юмы» же отвечает на все опасения экологов и местной общественности, что мол всё в Байкале супер и всегда будет супер и даже нефть Байкалу не проблема. Фильм полон красивых кадров и эта прекрасное кино для отдыха, съемочная команда проделала большую работу, но фальшивый позитив фильма может обмануть только детей. Как финал - просмотр добивает неуместный трек от Басты на титрах, который совершенно ни к селу, ни к городу (но благо можно просто выключить фильм и не слушать).
«Адам и Хева», СССР, 1969, комедия, реж. Алексей Коренев
По закону шариата муж, давший развод жене, может вернуть ее только после того, как она выйдет замуж и будет изгнана новым мужем. Парикмахер Адам — приличный человек, поэтому гробовщик Бекир выдает свою бывшую жену Хеву за него, с тем чтобы как можно быстрее вернуть ее обратно…Но к утру ни Адам, ни Хева не хотят разводиться.
Режиссёр Алексей Коренев широко известен своими более поздними работами: мини-сериалом «Большая перемена», фильмами «По семейным обстоятельствам» и «Ловушка для одинокого мужчины». «Адам и Хева» же незаслуженно оказались в тени, что, возможно, связано с кавказским колоритом, а может и с тем, что законы шариата для героев важнее, чем идеи коммунизма. Вне зависимости от причины, важно то, что «Адам и Хева» не уступают своим более успешным собратьям - тут та же прекрасная работа с комедийной и лирической составляющей, выдающаяся актерская игра (особенно Екатерины Васильевой, которая выступает в непривычном амплуа послушной и хрупкой девушки и выстраивает характер персонажа с минимум реплик) и атмосфера доброй грусти и светлого чувства любви. «Адам и Хева» - это пример тех советских фильмов, которые уносят зрителя подальше от всех бытовых переживаний и суровой реальности в край притч и сказок о том, как нужно ценить счастье и любовь.
«Папа, перестань меня позорить», США, 2021, сериал, реж. Кен Уиттингэм, Бентли Кайл Эванс
К отцу-одиночке, владельцу косметической компании, переезжает жить его дочь-подросток с непростым характером. Теперь ему предстоит ощутить все прелести отцовства.
Если вы ничего не слышали о данном Нетфликсном ситкоме - то это совсем не удивительно. Более бездарной траты 3,5 часов было сложно придумать. Ситуационные комедии сейчас не в моде у зрителей и чтобы продержаться больше одного сезона сценаристам нужно быть не просто смешными, а почти гениальными. На скидку из успешных ситкомов можно назвать: «Детство Шелдона» Чака Лорри, «Шиттс Крик» Дэна Леви, «Чудотворцы» Саймона Рича и «Чем мы заняты в тени» Джемейна Клемента. У каждого из этих ситкомов есть свой уникальный метод работы с данным жанром и, чего греха таить, изначальная фан-база.
«Папа, перестань меня позорить», очевидно вдохновленный прошлогодними протестами движения BLM, не может предложить не то чтобы уникальную фишку, но даже попросту хороших шуток. Возможно Нетфликс надеялся, что сама по себе идея ситкома об афроамериканской семейке подкупит зрителей и критиков достаточно, чтобы никто не почувствовал нафталиновый запах от юмора. Печально думать, что идея расового и культурного разнообразия в американской киноиндустрии стала “дыркой в ограде”, через которую можно припихнуть свои лениво сделанные проекты. Ведь даже идея замены типичных героев ситкома - белого среднего класса - на афроамериканцев не новая, афроситком существует уже несколько десятилетий и среди них есть свои успешные проекты: «Дела семейные» и «Принц из Беверли-Хиллз» в 80-90ых, «Все ненавидят Криса» из 2000ых, «Черная комедия» из 2010-2020ых. Поэтому «Папа, перестань меня позорить» - это ещё один пустой проект Нетфликса о котором никто не знал и никто не вспомнит.
«Босс-молокосос 2», США, 2021, мультфильм, реж. Том МакГрат
Братья Тим и Тед давно повзрослели и отдалились друг от друга. Тед стал генеральным директором инвестиционного фонда, а Тим посвятил себя семье. Он женился, поселился в пригороде и обзавелся двумя прекрасными дочерьми — Тиной и Табитой. 7-летняя Табита — умная и очень усердная. Несмотря на свой юный возраст, она уже лучшая в классе, а малышка Тина на самом деле оказывается агентом компании BabyCorp. Узнав, что злой гений доктор Эрвин Армстронг выращивает целую армию злобных малышей, Тина с помощью своего папы и дяди решает противостоять ему.
Первый «Босс-молокосос» взорвал кассы кинотеатров и было очевидно, что находящийся в кризисе DreamWorks уцепится за возможность раскрутить новую прибыльную франшизу. У студии большие проблемы, ибо последние их более-менее культовые франшизы дошли до своего логического завершения: «Как приручить дракона» попрощался со зрителем в 2019, «Мадагаскар» с «Кунг-фу пандой» тоже не планируют возвращаться. Куда печальнее дела обстоят со «Спиритом: душой Прерий», который точно не нуждался в сиквелах и спин-оффах, а в итоге превратился из серьёзного мультфильма в сладкую франшизу о лошадках. Не просто так ходят новости о возрождении франшизы «Шрека». Но у DreamWorks не всё так печально - они работают с Нетфликсом над анимационными сериалами и некоторые из них вполне на слуху у зрителей: трилогия Гильермо Дель Торо «Охотники на троллей», «Клеопатра в космосе» и «Кипо и Эра Чудесных Зверей».
Но на кинотеатральной арене DreamWorks пошёл по пути не смелых экспериментов, а удовлетворения зрителя простыми, безопасными и сладкими сюжетами. Пришла эра конфетных «Троллей» и умиления младенцами «Боссами-молокососами». Первая часть была грешна видами попок младенцев, пуками, отрыжками и слюнями. Но у мультфильма была вполне жизнеспособная идея, что младенцы настолько требовательные, что смахивают на недовольных работодателей, а все приключения героев - буйная фантазия ревнующего старшего сына (хотя уже в первой части наметилась проблема, что создатели сами не понимают - это реальность или фантазия Тима?). Вторая часть разрушает всё. Теперь зритель точно знает, что вся эта анархия была не выдумкой 5-летки, а реальность и от этого вопросов появляется куда больше.
Но тратить время на обсуждения смысловых дыр данной франшизы - бессмысленное занятие. DreamWorks нужны деньги и поэтому всё в мультфильме должно вызывать чувство очарования: большие глаза младенцев, визуальный образ взрослых также одутловатый и мягкий (как будто это взрослые младенцы), нужно больше пони (очень необаятельного пони) и блёсток. Мультфильм ни на секунду не сбавляет темпа и звука. В кадре всегда кто-то говорит и что-то движется, как будто «Босс-молокосос 2» под диким приходом экстази. Но эта динамика не спасает от чувства, что вторая половина фильма тянется бесконечно (хотя фильм идёт всего лишь полтора часа).
Неумение мультфильма поймать тишину и становится одной из проблем сюжета. В «Босс-молокосос 2» поднимаются проблемы разрыва семейных отношений (некогда неразлучные братья почти не общаются), трудности неизбежного взросления (арка Тима) или потери детства (арка дочери Тима - Табиты), а также конфликт отцов и детей (в частности, Тим навязывает дочери свои мечты и хобби). Все эти проблемы разрешаются быстро и за один диалог, ибо нет времени для лирического отступления, где герои бы смогли проанализировать свои поступки и понять ошибки. При этом не все проблемы по-настоящему решаются (арка Тима и его дочери - это полный кошмар и плюсом надеюсь я не одна заметила, что создатели привнесли какую-то сомнительную романтику в их взаимоотношения). В итоге перед нами пример успешного полуфабриката, который должен веселить зрителей и никаким образом не заставлять их рефлексировать. В «Боссе-молокососе 2» нет идеи, нет очарования, его цель - чтобы дети хотяб на полтора часа не мешали родителям делать свои дела. Сладко-приторная сказка не повредит, но и не привнесет ничего ценного зрителям.
Трилогия «Улица страха», США, 2021, хоррор, реж. Ли Джаньяк
1994 год, два городка — Шейдисайд и Саннивейл. Как уже неоднократно происходило в Шейдисайде, один из жителей сходит с ума и убивает нескольких человек, но старшеклассницу Дину больше беспокоит, что её любовь Сэм бросила её и переехала в Саннивейл. Вскоре после одного происшествия саму Сэм, Дину и её друзей начинают преследовать загадочные убийцы, и ребятам придётся очень сильно постараться, чтобы не умереть от их рук.
Р. Л. Стайн известен большинству подростков 2000ых, это такой Стивен Кинг для подростков. «Улица страха» - одна из его книжных франшиз для более взрослого читателя, где монстры вечно нападают на подростков из проклятого города Шейдисайда и которую всё пытались экранизировать с 90ых. Нетфликс предпринял удачную попытку и летом с разницей в неделю вышло три фильма, которые, несмотря на возрастной рейтинг +18, в большинстве своём сюжетно походят на +16 (высокий рейтинг всего лишь за парочку мимолётных кровавых неприятных сцен). Трилогия охватывает три временных периодов: 1990ые, 1970ые и 1600ые. Несложно догадаться к каким известным фильмам каждая часть отсылает: 90ые - к «Крику», 70ые - к «Пятнице 13-ой», а 1600ые - это отсылка к прото-хоррору (например, «Ведьмы» 1922 года Беньямина Кристенсена) и к современной эпохе слоубёрнеров («Ведьма» Роберта Эггерса). Режиссёрка Ли Джаньяк создала трилогию в большей степени как оду любви к старым ужастикам, чем как экранизацию литературного источника. В итоге, сюжетно первые две части мало чем могут удивить - фильмы сплетены из клише и отсылок к именитым собратьям. Но, как и с «Очень странными делами», важна не сюжетная закрученность, а атмосфера. Первые два фильма давят на ностальгию по старым-добрым убийствам подростков в супермаркетах и летних лагерях и зрителей это подкупает.
Среди плюсов - хороший каст (для уровня фильмов), приятные персонажи, узнаваемая атмосфера и отсылки, постепенное раскрытие сквозного сюжета. Фильмы не пытаются деконструировать наследие прошлого или имитировать старые фильмы, это больше игра в ностальгию. Персонажи любой из части ведут себя как типичные подростки 2020ых, а вся аутентичность - это всего лишь саундтреки и цветовая гамма визуала. В плане музыки хочется отметить забавную деталь: в первой части играет “The Man Who Sold the World” от Nirvana, а во второй части - оригинал Дэвида Боуи, записанную как раз в 70ых. Такой некий срез поколений.
Главная проблема фильмов - в разной динамики событий частей: первая часть кажется слабее других, а третьей приходится отдуваться за две сюжетные линии. В итоге, сложно оценить трилогию как единое целое, но я рискну сделать единый вывод.
«Улицу страха» нужно воспринимать не как постмодернистское переосмысление наследия прошлого, а как забавную игру в помещение зумеров в разные эпохи жанра. Это не совсем слешер и хоррор, ибо убийств в фильмах будет не много и большинство = за кадром. Это больше детектив и триллер, стилизованный под хоррор. От трилогии не нужно ждать большего, чем развлечения и попыток очаровать зрителя атмосферой. Лично для меня - это был приятный просмотр, вызвавший те приятные воспоминания, когда подруга впервые показала мне “Крик” и одноимённый сериал от MTV. Кстати, лучше всего трилогия напоминает именно сериал “Крик”, который также снимала Ли Джаньяк. Сейчас, когда хорроры либо слишком умные, либо слишком очевидно-скучные, динамичный эксперимент Нетфликса выглядит приятным вариантом поболеть за всё хорошее и против всего плохого.
«Паника», США, 2021, сериал, реж. Ри Руссо-Янг
Группа выпускников мечтает вырваться из маленького унылого городка. Единственный их шанс на лучшее будущее — победить в ежегодной загадочной игре и получить огромный денежный приз.
«Паника» - это третья экранизация книг автора жанра-”young adult” Лорен Оливер. До этого был невышедший сериал «Делириум» (в сети есть только пилот с Эммой Робертс) и успешный фильм «Матрица времени» с Зои Дойч. Я не знакома с книгами Оливер, поэтому не могу судить о её литературном таланте, но в плане экранизаций - автору не слишком везёт. Вот и «Панику» постигла неудача и Amazon Prime закрыл сериал на первом сезоне, несмотря на финальный клиффхэнгер (внезапный поворот). Но забегая вперёд, скажу, что сериал по сути логически закончился и его можно посмотреть как мини-сериал.
Но только вот проблема в том, что сериал «Паника» по сути довольно пресный для истории про смертельные испытания. Большую часть времени отведено не опасной игре и борьбе со своими страхами, а бытовухе и долгим разговорам. Как и многие экранизации ”young adult”, «Паника» страдает от заклишированности сюжета и зачастую зритель уже инстинктивно знает как разрешиться та или иная ситуация. Плюс, я считаю, что пора уже что-то делать с обязательными любовными треугольниками в сюжете. К концу 2010ых западное кино сказало всё, что могло про любовные треугольники и чтобы сделать что-то интересное в этом плане - нужно напрячь голову (благо, многим сценаристам на помощь пришёл активный дискурс в сфере полиаморных отношений и эту лазейку многие сериалы начали использовать). В «Панике» романтические отношения показаны до такой степени блекло, что это бесит (ибо этим любовным разбирательствам отводиться также и львиная часть хронометража). Молодые актёры вроде как и неплохо играют, но химии между парами почему-то не возникают. За исключением Рэя Николсона (сына Джека Николсона), который одной своей харизмой крадёт всё внимание зрителей и зажигает огонь между своим персонажем и главной героиней.
В итоге, «Паника», рассказывающая о том, на что готовы подростки, чтобы сбежать из Техаса, вышла слишком очевидным и скучным проектом, который мог завлечь зрителя ещё десять лет назад, но в условиях перенасыщения сериалами про подростков (один Netflix за год выпускает около 20 сериалов про школу, из которых 1-3 проекта окажутся жизнеспособными) не может выдержать конкуренцию по креативу, стилистике и сюжету.
«Жвачка», Великобритания, 2015, сериал, реж. Том Маршалл, Саймон Нил.
Трейси Гордон живет в спальном районе Лондона в религиозной семье, работает кассиршей в местном магазинчике и обожает Бейонсе. В свои 24 года девушка остается девственницей, но решительно настроена это исправить и составляет для этого целый план. Ее неуклюжие попытки соблазнения вечно заканчиваются провалом, но даже в самых нелепых ситуациях Трейси спасает чувство юмора.
«Chewing Gum» - это комедийный проект на любителя, ибо в течение 20 минут на экране будет происходит вакханалия из абсурда, демонстрации дилдо, карусели рвотно-калийных масс и стойкого ощущения испанского стыда за действия героев. Но это также и смешной сериал про отношения, расизм, принятие себя, дружбу и масс-медиа.
Сериал вырос из пьесы Михаэлы Коэл, которая и сыграла роль Трейси, и которая в этом году запомнилась многим критикам, благодаря драматическому сериалу «Я могу уничтожить тебя». Как комедийная актриса, Коэл показала себя достойно и сложно не поверить в её Трейси, которая раз за разом совершает нелепые ошибки в сфере интимных отношений из-за отсутствия сексуального образования. Но где-то ко второму сезону я почувствовала усталость от происходящего безумия. У меня до сих пор странное отношение к сериалу: я не пожалела, что посмотрела его, но врятли я бы кому-либо его порекомендовала. Это тот сериал, на который нужно наткнуться самому и решить - достаточно ли ты готов к происходящему.
И ещё - ради бога, никогда не пытайтесь позавтракать под этот сериал. Не совершайте мою ошибку.
More Posts from Happypersonatyphoon and Others
11 неожиданных родственников. Часть 2
4. Ванесса Редгрейв, Наташа и Джоэли Ричардсон.
Ванесса Редгрейв была рождена, чтобы играть аристократок. Сама она происходила из актёрской династии Редгрейвов, зародившейся ещё при немом кино.
Сама же Ванесса не мечтала стать актрисой, больше её сердце волновал балет, но по её же словам, большой рост и длинные крупные руки и ноги помешали ей исполнить свою мечту. Очень быстро высокая актриса-красавица была замечена режиссерами и её снимали такие классики кино, как Микеланджело Антониони, Сидни Люмет и Ричард Аттенборо.
Сейчас Ванессу Редгрейв можно встретить в английских фильмах, которые не получают большого ажиотажа вне Англии. За свою карьеру она успела воплотить в кино Клариссу Дэллоуэй, Айседору Дункан, мать Оскара Уайльда, Агату Кристи, пару английских королев и русских правительниц. Самым узнаваемым фильмом из её поздней фильмографии можно назвать - «Искупление» с Кирой Найтли и Джеймсом Макэвоем, где Редгрейв сыграла небольшую, но важную роль. За долгую жизнь у Ванессы Редгрейв было множество романов, среди которых сильнее всего выделяется брак с режиссером Тони Ричардсоном, ставшего отцом Наташи и Джоэли Ричардсон.
Младшая дочь, Джоэли Ричардсон, в 2000-ые сыграла хозяйку далматинца Пэдди из «101 далматинца», но лично мне эта роль не врезалась в память, во многом, образ Гленн Клоуз тогда затмил всех других актёров. Так, например, я только из-за мэма вспомнила, что щенков в фильме воровали Хью Лори и Марк Уильямс.
Куда больше Джоэли повезло в сериале «Тюдоры», где она воплотила образ последней супруги Генриха VIII, английского короля-Синей Бороды. После этого её начали активно звать на роли аристократок, хотя качество фильмов частенько заставляло желать лучшего.
Зацепиться в памяти зрителя у неё пока не сильно удаётся. Две заглохшие подростковые франшизы («Академия вампиров» и «Падшие»), смена имиджа от платиновой блондинки в шатенку, роли матери Красного Воробья - Джоэли Ричардсон активно снимается, но что-то ей мешает.
Её старшая сестра Наташа также имела в своей карьере список фильмов, связанных со старой-доброй Англией с их королевами, усадьбами 1920-х и викторианской готикой. Но, по мне, благодаря вечерним фильмам канала СТС, многие люди в России знают её больше, чем мать и сестру. Для многих она знакома ролью мамы двух Линдси Лохан из «Ловушки для родителей».
Или богатой леди, которая мешала счастью Дженнифер Лопес в «Госпоже горничной».
Сейчас одним из ведущих сериалов можно назвать «Рассказ служанки» с Элизабет Мосс, но ещё в конце 80-ых был снят фильм по этому же роману с 26-летней Наташей Ричардсон. Большой известности он так и не получил, во многом потому что не смог полно презентовать мир данной антиутопии, хотя и строго придерживался содержания книги.
В 1993 году она познакомилась с Лиамом Нисоном и в этом браке родилось двое сыновей. Как плавно шла карьера, также без громких скандалов в СМИ шла семейная жизнь. Но в 2009 году, катаясь на горнолыжном курорте, Наташа Ричардсон получит черепно-мозговую травму и умрёт, не приходя в сознание. Её последней картиной станет «Оторва» с Эммой Робертс.
5. Патрик Тротон и Гарри Меллинг.
Я слишком сильно увлеклась печальными историями, поэтому немного перейду к забавным и в этот раз - это внук и дедушка. Джоан Роулинг, при продаже прав на экранизацию, поставила условие, чтобы все дети-актёры были британцами и лучше вообще малоизвестными. Warner Brothers же хотела подстраховаться и взять известных актёров, например, роль Гарри Поттера пророчили Маколею Калкину, Хэйли Джоэлю Осменту (старшему брату Эмили Осмент, подруги Ханны Монтаны) и Лиаму Эйкену. Тогда вообще была большая неразбериха в кандидатах и ту же Миссис Уизли могла сыграть американка Рози О’Доннелл, но чудом в итоге роль отошла Джули Уолтерс. В итоге студия повыворачивалась и сдалась, почти полностью удовлетворив главное требование писательницы. Начался процесс сбора талантливых детей по всей Англии.
Гарри Меллинг оказался лучшим кандидатом на толстяка-пупса, в нём идеально смешивался очаровательный толстяк и свинячье выражение лица, не в обиду будет сказано. Хотя роль была далеко не главная, зато стабильная - из серию в серию зрителей всегда встречал Дадличек, Даддерс или Большой Дэ. Многие молодые актёры были и вправду взяты без каких-либо связей и крутых агентов за спиной. Гарри Меллинга также привели родители и только через пару лет, как утверждают создатели (верить им или нет?), вскрылось, что Гарри - внук Патрика Тротона.
Патрик Тротон в Англии не нуждается в представлении. Он сыграл во множестве фильмов на BBC, но запомнился англичанам ролью в сериале, который не обещал жить долго: тратилось много денег на съемки; из-за возраста Уильям Хартнелл, актёр главной роли, не мог запоминать длинные фразы. Тогда, введя идею перерождения героя, Уильяма Хартнелла заменили на более молодого Патрика Тротона. У переродившегося героя появились новые привычки, черты характера и новая личность. Только время смогло показать, что “убыточный сериал на пару лет” стал культовым шоу, повлиявшим на британскую культуру даже сильнее чем феномен Битлов. Да, Патрик Тротон сыграл второго Доктора в классическом периоде «Доктора Кто», который за 55-летнюю историю сериала только сейчас впервые дал роль Доктора - актрисе. К сожалению, Патрик Тротон не только не узнал о судьбе сериала (к тому времени судьба «Доктора Кто» была однозначна - идея мертва и больше ничего из неё не вытянешь), но и не был знаком с внуком. Патрик Тротон покинет мир в 1987 году, а через два года родится Гарри Меллинг.
О многих актёров «Гарри Поттера» сейчас мало что слышно, но Гарри активно продолжает актёрскую карьеру, только не на съемочной площадке, а на театральных подмостках. В фильмах он снимается редко, в последний раз он составил компанию Роберту Паттинсону в «Затерянном городе Z». Но выбор театра вместо кино - не редкий случай для британцев. Тут даже Том Хиддлстон после оглушительного успеха в роли Локи, всё равно регулярно возвращается к спектаклям.
6. Уильям Расселл и Альфред Энок
На удивление, Гарри Меллинг не единственный, кто родственно связывает «Гарри Поттера» и «Доктора Кто».
Альфред Энок присутствовал во всех частях франшизы и наряду с Эммой Уотсон, Рупертом Грином, Дэниелем Рэдклиффом, Гарри Меллингом, Томом Фелтоном, Девоном Мюрреем вырос на съемочной площадке
Для тамблера когда-то стало настоящей бомбой осознание, что Альфред Энок - родной сын Уильяма Расселла, актёра, сыгравшего первого спутника Доктора в истории сериала. Тут легко удивиться и дело даже не в цвете кожи, а в том, что Уильяму Расселу сейчас 93 года, а сыну 29.
На удивление, они оба снимаются в кино, мистер Расселл по причине здоровья редко и в эпизодических ролях, но Альфред сразу же после «Гарри Поттера» засветился в эпизоде «Шерлока», в одной из главных ролей сериала «Как избежать наказания за убийство» и в постановке «Кориолана» с Томом Хиддлстоном.
7. Кевин и Соси Бейкон
Впервые в моём топе есть родственники-однофамильцы, но даже при этом сложно было предположить, если не знать, что Соси Бейкон - дочь того самого Кевина Бейкона. Слишком уж распространённая фамилия для подозрений.
Родители Соси - Кевин Бейкон и Кира Седжвик входят во всевозможные топы самых крепких браков среди знаменитостей (и надеюсь так и будет продолжаться). Кевин и Кира в браке уже более 30 лет и судя по всему, они всё ещё счастливы. В инсте Кевина почти каждая 3 публикация связана с тем, как они дурачатся с супругой и детьми и всё снабжается милыми подписями. Но в далёком 1988 году на съемках «Лимонного неба» влюблённый актёр услышал отказ, он казался Кире слишком самоуверенным и глупым: «Я подумала, симпатичный парень, но совсем не мой тип мужчины». Но Кевин Бэйкон не сдавался и домучил девушку до согласия на свидание. Через пару месяцев они сыграли свадьбу.
Не знаю, насколько хорошо сейчас зрители знают Кевина Бэйкона, но как и Мелани Гриффит с Кристианом Слэйтером (привет, папа из «Мистера Робота»), в юности Бэйкон был мегазвездой и секс-символом. Долгое время его снимали только в ролях рубахи-парня, как, например, вожатый Джек из «Пятницы, 13-го»
После «Пятницы, 13-го» было ещё пара заметных фильмов, но не сравнимые с «Свободными» по ажиотажу. Именно после этого фильма он проснулся одним из желанных парней Голливуда. В фильме он воплотил образ этакого бунтаря, который узнав о запрете в городе на музыку и танцы, решает устроить революцию. Музыкальная комедия Герберта Росса вторила тогдашней молодёжи, желавшей сломить закостенелую мораль своих родителей и уничтожить ханжество. Этот фильм можно знать по легенде Питера Квилла из «Стражей галактики», в которой к племени не-танцоров явился герой «Кевин Бейкон. Обучил целый город надутых индюков искусству танца».
Но именно фильм «Дикая река» с Мэрил Стрип показал, что всё это время режиссеры не замечали одной важной вещи: насколько же холодные серые глаза у Бэйкона и насколько по-волчьи он может улыбаться. Карьера, которая могла заглохнуть после стольких фильмов про хороших парней, резко скакнула вверх. Голливуд нашёл себе нового злодея. Я читала, что в 90-х среди киноманов была забава на основе теории 6 рукопожатий, только брался любой актёр и почти всегда не больше чем через 6 рукопожатий любой рандомный актёр был связан с Кевином Бэйконом, настолько активно он снимался.
За больше чем 40 лет карьеры, Кевин Бэйкон показал себя актёром любого типажа, который может сыграть и положительного, и отрицательного персонажа. Не играло разницы, главная ли это будет роль или второстепенная, симпатии актёра отдавались интересным ролям. Не удивительно, что когда встал вопрос о грамотном подборе актёров для перезапуска франшизы «Людей Икс», на роль антагониста был выбран Кевин Бэйкон. «Люди Икс: Первый Класс» открыли множество доселе не очень известных актёров: Дженнифер Лоуренс, Николас Холт, Зои Кравиц, Джеймс Макэвой, Майкл Фассбендер и т. д. Сейчас уже невозможно представить, что самыми известными актёрами в фильме считались Роуз Бирн и Кевин Бэйкон. Если выбор Роуз Бирн для меня спорный (ну не люблю я Мойру), то дуэт Кевина Бэйкона и Майкла Фассбендера - изюминка фильма. Я верила, что именно такой злодей как Шоу и мог создать Магнето. Чтобы раскрыть душу главного антагониста серии нужен был ювелирно удачный антагонист приквела.
Не смотря на активную творческую работу Кевина и Киры, о детях до недавних пор было известно мало. Семья жила тихо и незаметно и также тихонько началась карьера Соси.
Как и у отца, одна из ранних работ Соси связана с фильмами ужасов. Она сыграла роль Рейчел Мюррей в сериале «Крик», который является телевизионным перезапуском серии фильмов с одноимённым названием.
Более крупную роль, и пока саму известную, она сыграла в нашумевшем сериале от Нетфликс «13 причин почему». Жаль, что пока на этом её список работ обрывается, но Соси пытается идти своим путём и не паразитирует на именах родителей и их связях. Наверное, если бы я однажды не листала её фотографии, я бы и дальше не знала, что она дочь звёздных родителей, а не просто «Скай Миллер».
К слову, у Кевина Бэйкона есть своя рок-группа и такая вот фоточка висит у него в инстаграме. Ну не мило ли?
Писать о них было очень весело, их инстаграмы полны дурашливых фотографий или нелепых поздравлений, вроде скрина новости о том, что «Однажды Кевин Бэйкон случайно запер новорождённого сына в машине» с припиской - С днём отца!
До скорой встречи в 3 части списка!
Галопом по просмотренному. Июнь 2020
Июнь в этом году радует Север своим теплом и большую часть времени хочется просто забраться куда-нибудь подальше от людей и понежиться под лучами солнца. Но мне везёт как утопленнику и я слегла на пару дней с банальной простудой. Так и появилось время разобрать весь список просмотренного и наконец-то кратко отрефлексировать свои эмоции после фильмов.
«Красавица для чудовища» 2017 год, реж. Хайфа Аль-Мансур
«Красавица для чудовища» (в оригинальном переводе названия просто - «Мэри Шелли») - это вторая полнометражная (и первая европейская) работа Хайфы Аль-Мансур, первой режиссёрки в Саудовской Аравии. Дебютным полным метром для Хайфы стал фильм «Важда», о 10-летней девочке из Саудовской Аравии, которая очень хотела велосипед и начала борьбы за право кататься на нём. Да и сама режиссёрка - пример того, как сложно, но важно пробиться даже там, где тебе не дают возможности вздохнуть. Поэтому неудивительно, что из всех европейских образов сильнее всего Хайфу привлекла Мэри Шелли - создательница готического романа «Франкенштейн, или Современный Прометей». Жизнь Мэри Годвин (Шелли) сама по себе изобилует неожиданными и трагическими поворотами, скандалами и загадочными происшествиями. Другими словами, биография о её жизни всегда была благодатной почвой для киношников и Аль-Мансур не первая, кто пытается рассказать в кино историю Мэри Шелли. Но справедливости ради, Мэри либо шла как приложение к своему Чудовищу, либо фильмы выходили настолько незаметно, что найти их в интернете трудно или невозможно. Поэтому «Красавица для чудовища» - первый масштабный байопик, размышляющий о том, как столь юное и нежное создание породило столь же мрачные образы.
Я целенаправленно решила не пересказывать завязку сюжета и некоторые факты из жизни писательницы, потому что у Хайфы Аль-Мансур вышло классическое костюмированное биографическое кино, где сильной стороной является именно история героя. Это такой киношный эквивалент серии книг «Жизнь замечательных людей», где ты должен вздыхать и говорить: “Ну надо же! А я не знал!”. На мою беду, я большой фанат Мэри Шелли и вполне знаю жизнь всех действующих персонажей: начиная с Джорджа Байрона, Мэри и Перси Шелли и заканчивая Джоном Полидори и Клэр Клэрмонт. В сюжете есть подтасовка фактов для большей эмоциональности истории, но в целом глобальных изменений сценаристы не вносили. Наверное, сильнее всего глаз резало упрощение любовных взаимоотношений между Мэри и Перси Шелли, где всегда в реальности находилось место для интеллектуального спарринга. И это упрощение и делает для меня минус фильму. Ведь это не совсем история о реальной Мэри. Это кинематографический аналог романа воспитания, который должен предостерегать юных дев терять головы от бэдбоев и переставать слушать советы родителей. Но в конце фильм сам себя одергивает и даёт вывод в стиле Сансы Старк - “Кем бы я стала, если бы не эти испытания?“. В остальном же фильм создаёт очаровательный флёр готической атмосферы с кладбищами, туманами и отсутствием ярких цветов. Образы персонажей наполнены живостью и создатели позволяют им вести себя в соответствие с их возрастом и характером: пить, лениться, дурачиться и быть максималистами. Но ожидания от фильма были выше и итоговая работа, оказавшаяся обычной костюмированной драмой без каких-либо изысков, расстраивает.
«Последствия» 2019 год, реж. Джеймс Кент
После «Воспоминания о будущем» с Алисией Викандер и Китом Харингтоном о любви в контексте Первой Мировой, британец Джеймс Кент вновь обращается к теме человеческих переживаний и судьб в контексте войны, только уже Второй Мировой. Кира Найтли в роли жены британского офицера приезжает в разрушенный послевоенный Гамбург, где ей приходиться делить дом с вдовцом-немцем и его дочерью. Пылающая неприязнью ко всей немецкой нации, ей приходиться увидеть, что война травмирует всех. Словом, это ещё одна костюмированная драма о любви, ненависти и надежде с Кирой Найтли, где её Рейчел не сильно отличается от её же Анны Карениной. А по двух сторонам от неё «мистер-среднячок с добрыми глазами» Джейсон Кларк и «мистер-вызывайте=пожарных-мне-жарко» Александр Скарсгард. Говорить о фильме даже нечего: красиво, чувственно, эмоционально и безлико. Такой некий урок эмпатии и напоминания, что не всякий немец=нацист и там тоже жили и любили такие же люди. Перефразирую Эльзу и спою - «Посмотри и забудь!», ибо через месяц зритель врятли уже вспомнить этот фильм.
«Молчание» 2019 год, реж. Джон Р. Леонетти (Нетфликс)
Посмотрел Нетфликс на «Тихое место» и на успех своего же «Птичьего Короба» и решил - “нужно больше фильмов, где из-за какого-то монстра нельзя видеть/слышать/говорить“. Так и появилась «Молчание», где семья пытается спрятаться от кровожадных летучих мышей-мутантов, которые реагируют на любой звук. Не думаю, что Нетфликс не понимал, что делает, когда вновь взяли фабулу о тишине, но столкнувшись в сравнении с «Тихим местом» Красински - «Молчание» проигрывает, даже при том, что старалась исправить логические ошибки предшественника. Для меня не хватило эмоционального накала, переживаний за героев. В отличие от «Тихого места», в «Молчание» семья больше номинальная - они не единство, где каждый герой рискует в борьбе против общего врага. Семья в «Молчание» - это два главных героя (отец и дочь) и массовка в виде сына, матери, бабушки, пса и лучшего друга отца. У семьи в процессе фильма нет никакой глобальной конкретной цели и невозможно переживать за успех их миссии, если миссии никакой и нет. Герои как будто проходят квест, где после одного выполненного задания им неожиданно выпадает новое. И это даже реалистично - у кого из нас есть конкретный алгоритм действий на случай звукового апокалипсиса? = но, если бы не финал, где как бог из машины - персонажи узнают итоговую цель и где-то вне фильма доходят до финального момента и нам дают уже эпилог. Зачем надо было смотреть эти полтора часа, если самую сложную часть пути герои пройдут вне фильма, чтобы потом зрителям дать эпилог - ну всё отлично, the end!
Где-то в Нетфликсе кто-то сильно про#бался и дописывал сценарий уже в последние минуты дедлайна.
«Виновный» 2017 год, реж. Густав Мёллер
Датская детективная драма «Виновный» у нас в области показывалась в кинотеатре в рамках кинофестиваля «Artic Open», но на тот показ я не попала и даже когда получила положительные отзывы о фильме - всё оттягивала момент просмотра. Ну сколько фильмов уже мы видели о том, как в службу спасения звонит жертва и молит о помощи? Очень много. Чтож, я сильно ошибалась, когда убеждала себя, что фильм не сможет меня удивить. И хотя я не смогла прочувствовать весь восторг, как американские зрители (ибо скандинавские психологические детективы мне знакомы очень хорошо, а «Виновный» является образцовым примером такого фильма), но я всё равно испытала глубокое чувство удовольствия от просмотра фильма. Невероятно сложно рассказывать историю похищения человека, когда на экране весь фильм будет только один герой, сидящий перед монитором и пытающийся через разговоры с другими персонажами спасти ситуацию. Якоб Седергрен как актёр показал высшее актёрское мастерство, передав весь спектр эмоций и психического состояния героя через мимику и голос. Тем приятнее видеть диспетчера службы спасения не в виде супергероя, который в одиночку сможет решить проблему, а в виде обычного человека, который пытается делать всё, что есть в его ограниченном арсенале сил и возможностей. Это только в фильмах хрупкая сотрудница=диспетчер может стать Холмсом и найти пропавшую и накостылять злодею, а в реальности всё слишком сложно и куда важнее взять свои эмоции в руки и найти нужные слова.
«Быть Астрид Линдгрен» 2018 год, реж. Пернилла Фишер Кристенсен
В отличие от Мэри Шелли Астрид Линдгрен в представлении не нуждается. У большинства людей она точно появиться в голове, если попросить назвать 10-ку известных детских сказочников. Астрид невероятно тонко понимала переживания детей даже в пожилом возрасте и умела говорить с ними на их языке и не уходя в менторский тон. Как пример общения писательницы с ребёнком можно взять относительно недавно вышедшую книгу «Ваши письма я храню под матрасом», являющиеся перепиской Астрид с читательницей Сарой Швардт длинною в 30 лет (с 1971 года до 2002 года, смерти Линдгрен). Линдгрен охотно отвечала и читала письма детей, которые также охотно делились с ней своими размышлениями обо всём и задавали волнующие их вопросы. Байопик отдаёт дань памяти этому и весь сюжет фильма построен так, чтобы быть ответом на детские вопросы об Астрид: «А как прошло Ваше детство?», «А что вы любите делать?», «А почему у многих Ваших персонажей нет мамы?». От неказистой и смешной девчушки киношная Астрид доходит до сильной и уверенной женщины, которая больше всего желает быть хорошей мамой.
Если «Красавица для чудовища» - это история создания книги, то в «Быть Астрид Линдгрен» никакой книги нет. Астрид так и не становится на экране писательницей, но весь фильм дышит Швецией Линдгрен: Астрид танцует так как она хочет и каждое её движение - это Пеппи Длинныйчулок. Весь фильм как будто заколдован: биография писателя, где нет начала литературного пути, а только история взросления молодой девушки и эта история помогает понять Астрид лучше, чем любая сцена вдохновения писательницы на роман; классический байопик без каких-либо изысков, но вместо скуки вызывающий желание укутаться в одеяло и перечитать все эти прекрасные сказки из детства. Или уехать в Швецию. Просто режиссерка Пернилла Фишер Кристенсен вместе с невероятно очаровательной актрисой Альбой Аугуст смогли напитать довольно серьёзный фильм детской непосредственностью и солнцем, отражающимся от рыжих волос героини. Астрид сама героиня своих сказок и как в любой сказке, как бы не был тяжёл путь - к финалу герой получал свой счастливый конец, а мы детьми засыпали в ощущении счастья за героя: “Ну наконец-то он нашёл свой дом!”
«Маленькие женщины» 2019 год, реж. Грета Гервиг
Да, было странно голосовать в опросах по победителях на Оскар, не увидев одного из кандидатов в 6 номинациях, но в итоге я угадала почти все номинации (ох, если бы не «Паразиты»!). Наверное, уже эта история может быть ответом, насколько я верила западным критикам, говорящим, что фильм прорыв в осмыслении старой-доброй истории. Я уважаю Грету Гервиг, но я не верила ни разу, что из книги Луизы Мэй Олкотт можно сделать что=то большее, чем сказочно-сладкую историю о любви, семье и теплом очаге. Просто если «Маленькие женщины» перестают быть похожими на рождественский фильм для семьи - то какие это уже «Маленькие женщины»? Поэтому я не почувствовала себя обманутой, когда вновь окунулась в эту добрую и невинную атмосферу ностальгии по уходящему детству, который в фильме передался через две параллельные сюжетные линии, где воспоминания о детстве всегда в теплых тонах, а настоящее сестёр в более холодных. Кроме того, что Гервиг внесла в историю нелинейной повествование, она сместила вектор истории в сторону двух героинь. Если книга давала каждую из четырёх сестёр как главного персонажа, то в данном фильме один центральный персонаж - сестра Джо в исполнении Сирши Ронан, которую противопоставляют другой сестре - Эми в исполнении Флоренс Пью. Третьим важным персонажем становится друг и сосед девочек - Лори, которого играет Тимоти Шаламе. Все другие герои больше второстепенные и где-то даже немного обидно за двух других сестёр, но справедливости ради, в довольно устаревшем романе линия Мег самая старомодная, а более личный фокус на историю Бет убил бы чувство счастья и сладкого чуда. Джо и Эми же персонажи более современного вектора - писательница и художница в мире мужчин.
Но не будем о сюжете, многим он знаком, а кому не знаком - приятнее будет самим всё узнать. В итоге это очень эстетически приятный и сладко-добрый фильм, где мораль истории устарела лет на двести, но какая разница, если душа всё ещё хочет побыть вдалеке от толпы и города, любить безвозмездно и ценить каждую секунду жизни. Если не ждать от фильма коренного переосмысления в рамках феминизма и принять, что «Маленькие женщины» всегда будут романом воспитания девочек 19 века - то кино вполне может стать любимой костюмированной сказкой для взрослых девочек 21 века. Ведь не зря над костюмами в фильме так трудились, а Александр Деспла написал такую чудесную музыку!
«Эмма.» 2020 год, реж. Отем де Уайлд
А вот от «Эммы.» (точка в конце!) Отем де Уайлд видимо ждали образцовую экранизацию классики Джейн Остин. История о богатой девушке, чьё хобби - это сводничать людей, сбросила оковы традиционализма (но тут и проблем нет, Остин не Олкотт и довольно саркастична в своих книгах) и показала постмодернистический оскал. Многие зрители, увидев как героиня Ани Тейлор-Джой греет пятую точку у камина, а Найтли в исполнении Джонни Флинна вдруг вбегает в комнату и психует как подросток, вскрикнули, что это какой-то беспредел и от Остин в этом фильме только имена героев. Кинематограф и вправду приучил нас воспринимать Джейн Остин как такую тяжеловестную традиционную костюмированную классику, где герои совершенно не понятны молодому поколению. Но если открыть книги и начать читать, окажется, что персонажи Джейн актуальны во все времена и узнать своих возлюбленных и лучших друзей в её персонажах довольно легко. Роман «Эмма» не в первый раз экранизируется в своеобразном виде. До этого роман отлично лёг в основу молодёжной классики 90ых «Бестолковые», где Алисия Сильверстоун в жёлтом костюме-тройке пытается устроить личную жизнь героев в школе. Но там были современные реалии и как другие подростковые комедии 90-00ых на основе бессмертной классики (туда же «Она - мужчина», «10 причин моей ненависти» и т.д.) почитателями литературы игнорируются. А тут викторианские нравы смешались с поведением современной молодёжи, где ещё каждый кадр вдохновлён эстетикой тамблера. Но не не нужно пугаться, ведь это не открыточно-ванильная атмосфера, а больше похоже на то, как Уэс Андерсон мог снять Джейн Остин.
«Эмма.» - потрясающее для меня событие: фильм по Джейн Остин, о котором я могла только мечтать. Талантливая работа, где чувствуется авторский почерк (а в этом списке фильмов авторским началом мало кто может похвастаться и меня это убивает), где происходящее гармонично находится между ироничным и сентиментальным, а персонажи вызывают смех и чувство узнавания. Отем де Уайльд ещё больше украсила фильм тем, что расширила дружескую линию главной героини с её единственной подругой, позволив дружбе равноправно существовать в истории наряду с любовными коллизиями. Дружба - эта та же любовь и во имя её люди тоже могут совершать дурацкие и эгоистичные поступки, а потом раскаиваться в них. «Эмму.» можно назвать идейным приемником «Марии-Антуанетты» Софии Копполы, воспроизводящим дух того времени, но привносящим в героинь этого прошлого бунтарство, роднящий их со зрителями 21 века. Мне бы хотелось, чтобы и дальше на классику смотрели так: с любовью и желанием заинтересовать более широкую аудиторию, а не только женщин, которые ищут фильмы «без пошлости, чтобы граф 10 серий мучился от любви к леди, а потом в последние пять минут сериала признался в чуствах».
Таков был мой набор фильмов на конец июня! Спасибо за внимание и надеюсь услышать Ваше мнение об этих просмотренных фильмах. Пишите здесь или в инстаграме. Мне такая форма кажется очень удобной, ибо не всегда у меня есть желание или даже возможность расписать мысли о фильмах. Есть просто фильмы, которые вызывают одни средние эмоции, ибо визуал обычный, да и история классическая. Я бы врятли вообще что-то написала бы о фильме «Последствия» с Кирой Найтли, если бы надо было бы писать отдельно об этом фильме. Он не столь интересен мне, чтобы стоить этого внимания.
#Кинозаписки: «Оно 2» Андреса Мускетти
В 2008 году малоизвестный аргентинский режиссер вытащил свой детский страх и увековечил переживание в 3-минутной короткометражке с наивно написанным детской рукой названием «Мама», где две маленькие девочки тихонько пытались выбраться из своего дома. В короткометражке не было ни подводки, ни истории происхождения монстра, просто безнадёжность от токсичной заботы. После этой короткой работы Андреас Мускетти снял всего лишь три полнометражных фильма. В 2013 году вышла полнометражная версия «Мамы», продюсером которой выступил Гильермо Дель Торо и которая поразила критиков своей чувственностью, а в 2017 и 2019 годах вышли «Оно» и «Оно 2».
Андреас (или куда привычнее - Энди) Мускетти верил в свои страхи и поэтому «Мама» пугала. По мне, вера - важный столп кинематографа, оживляющий картинки на экране и заставляющий зрителей сопереживать происходящему. Но настоящие страхи, которые пожирают современных людей - это не страх живущего в темноте (отчасти религиозное переживание сиротства человечества в мире, покинутом Богом), а то, что монстр внутри тебя. Это не нужно понимать буквально, как «я когда выпью - себя не контролирую». Просто зрителей больше не страшат Дракулы и вопящие бабульки, но их пугает одиночество, депрессия, абьюзивные отношение, расизм, терроризм, сексизм и т.д. «Новая волна хорроров» базируется именно на бытовых ситуациях мира одиночества в социуме и тем самым, кроме страха, фильмы трогают зрителей и обнажают шрамы. Мускетти не совсем тоже самое, что и звёзды инди-хорроров, вроде Ари Астера и Дэвида Роберта Митчелла, но и поставить его работы в один ряд с сериалом Джеймса Вана было нельзя. В нём пока не совсем выработался авторский подход, но было желание уйти от всё более клишированного конвейера студийного производства. «Оно» стало шансом, чтобы доказать, что имя Мускетти чего-то стоит.
Разработка экранизации хита Стивена Кинга шла около 7 лет и уже казалось, что пора бы просто отпустить идею. С одной стороны, у «Оно» уже была хрестоматийная экранизация с культовым образом Пеннивайза и нужно будет очень постараться, чтобы перепрыгнуть образ Тима Карри. Также существовала проблема с тогдашним режиссером и сценаристом фильма Кэри Фукунаги, который хотел сделать более взрослый рейтинг фильма и не желал, чтобы в его творческий процесс влезало мнение студии. С другой стороны, «Оно» 1990 года уже и в своё время выглядел немного странно и нелепо, хотя нужно понимать, что это был тв-сериал и пустить в то время по телевидению историю об убийстве детей клоуном - уже почти подвиг. Теперь же был шанс сделать всё более мрачнее, свободнее, правдивее и дороже. В итоге, после скандала с родителями актёров, когда после прочтения сценария почти весь детский каст ушёл (остался только Финн Вулфард, исполнивший роль Ричи), режиссерское кресло предложили Энди Мускетти, который отредактировал существующий сценарий Фукунаги, и как он сообщил, добавил больше сцен из книги. Фильм стал хитом своего года, вторив мейнстриму тоски по 80ым («Стражи Галактики» (2014), отчасти «It Follows» (2014), «Очень странные дела» (2016), «Лето 84» (2018) и далее). Если полнометражный дебют «Мама» рассказывал о родительстве, то «Оно» было притчей о взрослении и преодолении детских страхов, где и тематике токсичных родителей тоже досталось места. Звёзды сошлись над этим фильмом: удачное попадание Билла Скарсгарда в образ Пеннивайза (и теперь можно сказать, что Пеннивайз-Скарсгард вытеснил Пеннивайза-Карри в хрестоматийности), химия дружбы между актёрами-детьми и запоминающиеся визуальные решения. Фильм не то чтобы пугал, а больше волновал, задевал в зрителях воспоминаний о том, как они сами с друзьями гуляли и попадали в переделки. Мы все из своих клубов неудачников и у нас есть свои удушливые маленькие городки/районы, да и локальные «шутки про мамок». Неким острым углом ситуации стало то, что «Оно» состоит из двух частей и успех первой части являлся только половиной пути, важно было верно закончить историю. Для этого у Мускетти было два года и ситуация со сценарием. Как я говорила ранее, сценарий перешёл в наследство от Фукунаги и был только переписан режиссером, которому в этом отчасти помогал Гэри Доберман. Вторая часть бы прояснила: в сценарии первой части было больше Фукунаги или Мускетти-Добермана? После просмотра «Оно 2» могу сказать, что видимо, всё-таки Фукунаги. Но не буду торопиться
«Оно 2» получило масштабную рекламную акцию, хотя и так было ясно, что фильм итак будут ждать. Одной из тем, которую всех интересовала - как будут выглядеть повзрослевшие герои первой части. Детям-актёрам даже предложили пофантазировать и двое из них попали в самое яблочко: София Лиллис видела взрослую Беверли как Джессику Честейн, а Финн Вулфард назвал комика Билла Хейдера идеальным Ричи. Из звёзд также фильм пополнился Джеймсом МакЭвоем в роли взрослого Билла. В плане каста фильм вновь попал в 10-ку, персонаж в детстве и во взрослом возрасте выглядят как один человек и в особенности в этом выделились Билл Хейдер, который перенял все ключевые черты поведения маленького Ричи и Джеймс Рэнсон, портретным сходством которого с Джеком Грейзером фильм буквально похвастался. Успех первого фильма позволил влить больше денег в производство второй главы и это приятно отразилось на визуальной части, подарив несколько красивых и пугающих сцен. Например, изобретательные сцены с МакЭвоем на фестивале или сцена в туалетной кабинке с Честейн. Но почему-то сцены стали менее запоминающимися. Не спасли фильм и отсылки с камео, которые попадали в молоко. Ох, супер, вот и Стивен Кинг шутит про неудачные концовки книг Билла, вот это метаирония!
Но минусы режут глаза сильнее. Во втором фильме бес попутал всех и, имея на руках наводящего страх своей пластикой и мимикой Скарсгарда, создатели начинают пугают компьютерно созданными чудовищами, графика у которых в иной раз почему-то ну совсем слабая.Неудивительно, что все эти гигантское монстры пугают меньше, чем всего лишь одна сцена с Пеннивайзом без грима. Динамика дружбы в Клубе Неудачников оказалась потерянной. Конечно, и в реальной жизни былые друзья встречаются и не чувствуют близости, но ведь не когда через весь фильм проходит красной линией мотив единства в победе над клоуном. А этого единства нет, просто несколько человек, действующих отдельно друг от друга до самого конца, где только в одной из финальных сцен есть чувство объединения команды. Юмор, который казался уместным для компании детей, теперь ощутимо вынужденный. Он не подчеркивает близость (как в первой части), а только пытается имитировать её.
Вторая часть оказывается в болезненной зависимости от первой, превращаясь не в продолжение или самостоятельное произведение, а в расширенное пояснение событий. Герои выросли и забыли, что было с ними и поэтому «Оно 2» одаривает зрителей флэшбеками, где одна половина - аллея славы самых удачных сцен из первого фильма, а вторая - показывает куда более ламповые взаимодействие Клуба, чем в нынешние дни. Возможно, это было сделано с расчетом, что кому-то будет слишком лень смотреть первую часть, но в итоге выглядит это как высосанный сиквел успешного фильма, а не как логически обоснованная вторая часть. У фильма в этот раз один сценарист - Гэри Доберман (именно он ответственен за сюжет кукол Аннабелей и Поклятие монахини) и видимо, он не смог найти золотую середину между препарированием героев и скримерами. В итоге главному в сюжете, а именно психологическим травмам, оказывают слишком пренебрежительное внимание: герои просто излечиваются в нужный по сценарию момент. Получается, чтобы пережить трагедию, её нужно только проговорить (нет). Это губит потенциально сильный на бумаге исход битвы, который получает слабое воплощение. Победа над своими страхами героям далась по воле сценария, от того и их оружие против Пеннивайза многим зрителям оказалось не до конца расшифрованным.
Для фильма, который на протяжении 3-х часов напоминает нам шутку про неудачную концовку книжного оригинала, «Оно 2» само не избегает такой же участии, затягивая разрешения конфликта. Кинематографичная концовка оказывается не так-то сильно и отличается от книжной: из важного вырезали только слишком фантастический и неуместный для атмосферы фильма момент с черепахой. То ли создатели так верили в свой замысел, то ли уже предсказывали что не избегут проклятия неудачной для фанатов концовки. Мне хотелось верить в Энди Мускетти. Но пока что выходит, что влияние Дель Торо в «Маме» в роли продюсера оказалось сильнее, чем я предполагала. В 2013 году я видела в нём единомышленника Гильермо в плане сентиментальности и «сочувствия дьяволу», но дилогия «Оно» показала, что Мускетти комфортнее воплощать чужой замысел, а не создавать что-то своё. И это печально, ведь 11 лет назад в 3-х минутах всё было страшнее и болезненнее, чем в 3-х часах. Конечно, всё относительно: в плане сравнения с другими ужастиками в прокате - «Оно 2» всё ещё чуточку изобретательнее, чем соседи по жанру в прокате. Но, используя золотые цитаты с волкам:
#Кинозаписки: «Эбигейл» Александра Богуславского.
У каждого фильма есть своя история производства. Так почти незаметная «Эбигейл» получила свою минуту славы, когда компания-производитель решила судиться с известным видеоблоггером Евгением Баженовым. Руководство «Kinodanz» понадеялось на помощь неких «серьёзных» людей (предполагается, что людей из МинКульта), но в итоге проиграло суд и только нанесло себе репутационный ущерб. Событие очень полномасштабно обсуждалось в СМИ и социальных сетях, а главный итог для «Kinodanzа» вышел прискорбным, исходя из того, что они решили переименовать себя в «KD Studios». Ещё в ходе обсуждения иска многие зрители приняли решение бойкотировать прокат любых фильмов «Kinodanz». Не смотря на это, зрителей на своём новом фильме «KD Studios» собрала почти столько же как и на прошлом («За гранью реальности»), что доказывает то, что целевая аудитория у «KD Studios» есть и это далеко не зрители Бэда. В большинстве своём на этот фильм пришли родители с детьми, так как у фильма был рейтинг +6. Большой ещё вопрос, зачем делать young adult с таким рейтингом, но об этом позже.
Своим иском компания, видимо, накликала на саму себя проблем. Пара авторов (известный писатель Ник Перумов и писательница-самиздат Виолетта Стим) намекнули на совпадение сюжета своих книг со сценарием фильма, но судиться по поводу плагиате не могут, так как, по словам того же Перумова: «...я говорю, что автор у нас юридически не защищён, можно поменять имена, назвать маму папой и тд, после чего смело пользоваться его работой. Автор никогда ничего не докажет». Никаких весомых юридических проблем это студии не принесло, но осадок остался. Но самым таинственным фактом об «Эбигейл» стали сроки проката. Я привыкла, что около 2 недель прокатывают независимое и авторское кино, но уж точно не фильмы с субсидиями от Министерства культуры. С чего бы так быстро сгонять с проката данный фильм - большой вопрос, на который я не могу ответить.
«Эбигейл» повествует историю о девушке, живущей в городе из которого не сбежать, так как его границы окружены стеной. Никто из мирных жителей не знает, что творится по ту сторону ограждения. Некогда в городе бушевала эпидемия, которую смогли кое-как остановить, находя заболевающих и увозя их в неизвестном направлении. Так по городу и снуют инспекторы в масках, которые ищут носителей болезни и проводят обыски в квартирах. Неожиданная встреча Эбигейл с группой сопротивления открывает, что не всё так чисто в городе, как жители думали.
Не желая обидеть ни Ника Перумова, ни Виолетту Стим, но сюжет фильма - более чем вторичен. Ощущение, что сценарий написал бот, проанализировав всё подростковое фэнтези и найдя самые очевидные повороты. Печально только в том, что, даже собрав все клише и сделав самый типичный сюжет, можно было (и такие случае мне встречались) сделать приятный для зрителей фильм. «Эбигейл» же в плане сюжета - страшный и безликий монстр, кино слишком пустое, чтобы запомниться. Создавая мир стимпанка и магии, создатели так и не раскрыли роль ни стимпанка (показав только пару дирижаблей), ни магии. Бог с этими паровыми машинами, но фильм о волшебстве, где механизм использования магия банально никак не раскрыт. В качестве объяснений брошена одна сказка и несколько размытых сцен и мол, «дальше сами додумывайте». Где-то на таком же уровне и развитие взаимоотношений между персонажами. И я могу ответить почему весь сюжет катастрофа. Потому что нельзя брать темы из произведений young adult и вставлять в рамки детского рейтинга. Так вот и получается, что потеря родителя, противостояние группы людей системе, борьба государства с инакомыслием, любовный треугольник и, избегая спойлеров, вся линия героини Равшаны Курковой - воплощается в упрощенном и, даже, в кастрированном виде. Свойственный young adult трагизм и романтизм тут напросто убран. Главную пару сводят чисто потому что любовная линия должна быть и выглядит это так, как будто «го мутить, а то чо как лохи одни». А о цене, которую придётся заплатить за победу, тут и говорить не нужно. Куда там бомбардировке Капитолия в «Голодных играх» или битве за Хогвартс в «Гарри Поттере» - мир легко спасти, ведь главная героиня сама тот ещё «бог из машины». Если же создатели хотели создать для детей ацензуренный young adult - то я сочувствую детям. Тут то Кончаловский в «Щелкунчике и Крысином Короле» рассказывает о фашисткой Германии, то вот «Эбигейл» передаёт бесценный опыт травматических воспоминаний о ночах, когда тебя или соседа могли увезти на «чёрном воронке».
«Эбигейл» снимался с расчётом на зарубежный рынок: актёры говорят на английском языке, надписи вокруг тоже написаны по-английски. Есть что-то противоречивое в том, что ты видишь русских актёров, чьи голоса дублируют профессиональные актёры дубляжа (за исключением пары актёров). Тут и проявляется главная беда всего фильма: странная попытка соревноваться с Голливудом и выдавать продукт «как у них». Зачем стараться мимикрировать в зарубежный young adult (при этом кастрируя под детский рейтинг), если можно создать своё, используя национальный культурный код в развитии мифологии и законов мира (исключая введённую отсылку к советским ужасам террора 30ых)? Конечно, это будет более сложный путь с методом проб и ошибок, но по-крайней мере в этом найдется крупица своего индивидуального. Команда Александра Богуславского не может предложить ничего своего, как и не может (или не хочет) гореть фильмом. Например, студенческая дипломная короткометражная работа «Магия превыше всего» легко может сойти за часть вселенной «Гарри Поттера» и, для меня, там слишком мало российских реалий, но при этом фильм интересно смотреть и за персонажей волнуешься. Люди, которые были включены в процесс, старались сделать всё качественно, чтобы усилия и бюджет оправдали себя. Ведь успех короткометражки может послужить зарождению полного метра. Также и «Эбигейл», получи она фан-базу, могла бы иметь сиквел или послужить толчком для развития подросткового русского фэнтези в кино. В итоге, подведя свою историю под западный стандарт - они не только не привлекли иностранного зрителя, но и оттолкнули отечественную целевую аудиторию. И тем, и другим этого не нужно, ведь все могут вместо подражателя посмотреть на оригинал. Конечно, Министерство Культуры изрядно старается получить контроль над репертуаром кинотеатров, убрав засилье иностранных фильмов и расчистить дорогу отечественному продукту. «Эбигейл» же прекрасно иллюстрирует, что проблема не в том, что народ у нас не патриотичный и не хочет посмотреть своё кино. Просто в большинстве картин и нет этого «своего» - только копия.
Сильной стороной фильма является визуальная часть (не в плане работы режиссера и оператора) и предполагаю, подавляющую часть бюджета спустили именно на костюмы, интерьеры, спецэффекты и далее. Фильм не выглядит визуально дорого (Так, например, также слабые в сценарном плане «Хроники хищных городов» сделали удар на визуальную часть и детализацию механизмов городов), но при этом симпатично и сентиментально. Странно, но стимпанк, атмосфера питерских квартир и советский НКВД-шный террор вместе выглядят естественно. Обидно, но на гримёрах, видимо, решили сэкономить и только несколько основных персонажей из команды главной героини получают нестандартный вид, а над оставшейся частью группы решили не трудиться. Так и получается, что стоят среди персонажей пара фриков с цветными волосами, а вокруг все по стандарту одеты в серое пальто и с прической по моде 30ых. Остальную часть бюджета спустили на актёров и композитора. Ryan Otter не то, чтобы сильно напрягался с написанием музыки (половина времени играет один и тот же мотив), но при этом в важных моментах именно звуковая часть вытягивала эмоциональный настрой сцены, тогда как визуальная сцена таких эмоций не вызывает. Главную роль в фильме исполнила Тинатин Далакишвили (раскрывшая свой талант в «Заложниках» Резо Гигинеишвили), а на роль её отца из Британии «выписали» Эдди Марсана. Марсан, по иронии, ещё сильнее топит «Эбигейл», так как фильм слаб для его актёрской игры. Особенно, когда его персонаж начинает задвигать классические безликие мотивирующие фразы и понимаешь, что так бездарно никто ещё не тратил талант хорошего актёра. Российские актёры. специально или инстинктивно, ошибку Эдди не совершают и не стараются играть в полную силу. А может некоторые просто и не могут. Сразу после просмотра все персонажи в памяти развеялись и стёрлись, а запомнился только Эдди Марсан и очаровательная красота грузинки Тинатин Далакишвили, которая также держала свою актёрскую игру в узде и показывала черты характера в меру, чтобы образ Эбигейл не сильно выделялся, но не был картонным.
Есть ли весомая причина, чтобы сходить на «Эбигейл»? К сожалению, совершенно нет. Ничего хотяб немного интересного данный фильм мне предложить не смог. Печально только то, что в контексте летних московских событий, фильм случайно отражает нашу российскую реальность. Группа молодых людей хотят что-то изменить, а их «винтят» на улицах люди, которые прячут себя за масками. Режиссеры выбрали эстетику тоталитарного государства с референсом к Советскому Союзу, а получились наши дни. Может пора и задуматься о том, насколько мы в беде, если реальная жизнь так похожа на третьесортный сценарий?
#Кинозаписки: «Доминика» Олега Агейчева
В 34 года молодой режиссер Олег Агейчев поставил свой дебютный полный метр. Работа шла сложно и неопределённо: два года переписывания сценария, окончательный актёрский состав сформировался уже в процессе съемок, были большие проблемы с финансами и никто не был уверен в будущем проекта. Создатели зарабатывали деньги и сразу же вкладывали фильм, потом в перерывах снова зарабатывали и тратили в своё создание. Так что же в итоге получилось?
У архитектора Кости (Андрей Чадов) есть всё: красавица-подружка Яна (Светлана Устинова), работа, стабильность и успех. Из раза в раз он выпаривает клиентам одну и ту же концепцию: the тёлкам рококо, чиновникам ампир, хай-тек олигархам. И жизнь бы продолжалась юы дальше, но Костя существует в фильме-сказке и поэтому в один вечер ему подкидывают младенца. Малышка оказывается не простой и неожиданно взрослеет каждый раз, когда Костя злиться и выходить из себя. Герою приходится решать проблемы девочки и вместе с тем, открывать заново самого себя.
О «Доминике» я мало что могу сказать. С одной стороны - это качественная идея истории. Я не смогла вспомнить ни одного такого сюжета ни в отечественном, ни в иностранном кино. Но опыта воплотить историю качественно всё-таки не хватило. Сидишь, понимаешь, что есть идея, даже смыслы можно поискать и каждый зритель увидел что-то своё, но какой же фильм скучный и серый. Претензии к музыкальному сопровождению и даже некой “дешёвости” картинки, да даже переигрывание некоторых актёров я могу простить - снимать своими силами невероятно сложно. Главная беда - нехватка жизненного опыта, некой реальной эмоциональности в фильме. Всё проходит мимо зрителя и почти никак не трогает. И только в конце можно немного покивать. Да и забыть.
#Кинозаписки: «Однажды... в Голливуде» Квентина Тарантино
За последние два года Каннские премьеры показали нам «особое» возвращение двух режиссёров. В прошлом году это был Ларс Фон Триер и его «Дом, который построил Джек». Фон Триер выкрутил себя на максимум, сделав не фильм, а собственное полномасштабное препарирование. Ситуация к этому располагала: возвращение Фон Триера на Канны само по себе было особенным. Та история с Гитлером если не простилась, то вроде забылась. Совпадение или нет, но тематика фильма идеально подошла к такому возвращению.
Вторым возвращением, уже в этом году, стало «Однажды...в Голливуде» Квентина Тарантино, которое пришлось на юбилей его первого участия. 25 лет назад молодой и во многом неизвестный Квентин произвёл не просто фурор, а полномасштабную революцию кинематографа, навсегда изменив его язык. Куда подробнее с данной темой можно познакомится в одной из части «100 лучших фильмов с Антоном Долиным» на Маяке, посвящённой «Криминальному чтиву». Поэтому можно сказать, что мы пришли к некому рубежу (для Тарантино даже обещанному финалу) творчества двух режиссёров-синефилов.
Иронично и то, что Фон Триер и Тарантино, хотя и являются режиссёрами совершенно разного почерка, обоих объединяет, что, кроме любви к кино, они - революционеры 90ых. Разница только в том, что Ларс делал эту революцию преднамеренно, дав этому название (Догма-95), найдя единомышленников (его взаимоотношения с Томасом Винтербергом тянут на сюжет драмы о друзьях-соперников) и написав основные правила. Фон Триер - Фауст от кино, он интуитивно вычислил «формулу» кинематографа и хотел «излечить» его от застоя с помощью алгоритма. Итог был печален - Догма-95 не совершила всеобщую революцию, став небольшим периодом для такой же небольшой группы режиссеров скандинавского кино. Единственный, кто навсегда оставит эту революцию у себя в душе - Фон Триер и каждый его фильм, невзирая на полное несоответствие постулатам, наследие Догмы.
А в США, за год до создания Догмы, на Каннах покажут второй фильм 30-летнего режиссёра Квентина Тарантино. Он врятли строил какую-то революцию или разрабатывал постулаты. Весь его секрет в известном безудержном киноманстве. Квентин не просто любит хорошее кино, он обожает кино и далеко не только хорошее. Работая в прокате кассет или сидя дома, он смотрел от классики кино до ширпотреба и клишированных сериалов про гангстеров. Он сам стал воплощением ответа на вопрос - «Как сделать авторское и фестивальное кино интересным не только уже выработанной категории зрителей, но и для всех?». Оказывается, нужно не бояться пустить новую кровь, начать говорить на языке клише и низких жанров. Герои «Криминального чтива» и есть ходячие клише из гангстерских сериалов, где есть боксёр-марионетка, киллеры, гангстер и его молодая супруга и т. д. Вместо самоограничения Догмы-95, в 1994 году Тарантино интуитивно предложил оживить всё китчем. И вдруг всё презираемое и дешёвое стало объектом интереса, тем самым заключив, что эпоха метамодернизма - новый путь кинематографа.
Квентин же продолжил дальше возрождать всё то, что глубоко им любимо, благо на этом пути у него тоже были единомышленники. Безусловно, первым на ум приходит Роберт Родригес, который также был поклонником эксплуатационного кино 70-х годов, базирующегося в кинотеатрах-грайндхаусах. Отсюда вышел проект с говорящим названием - «Грайндхаус», где каждый из друзей снял по одному фильму (от Тарантино это было «Доказательство смерти», вдохновлённый разговором с другом о каскадёрах старой школы, говоря цитатой героя фильма «реальные тачки врезаются в реальные тачки с реальными умалишенными людьми за рулем») и куда вошло четыре фейковых трейлера от Элая Рота, Эдгара Райта, Роба Зомби и «Мачете» Роберта Родригеса. Весь этот долгий трёп нужен был для раскрытия бэкграунда Тарантино.
С триумфа Квентина на Каннах прошла четверть века и вот он вновь возвращается туда, где когда-то стал всемирно известен. И впервые с уверенностью можно сказать, что это не преувеличение: мы можем называть имена более достойных, гениальных, талантливых и бог знает каких ещё современников Тарантино, но нет более известного режиссера. Начав писать текст, я думала о том, чтобы немного описать Фон Триера или Джармуша, но у меня не было мысли рассказывать о чём «Криминальное чтиво» или кто там снимался. Это стало чем-то общеизвестным, как ультра-насилие в его фильмах, Ума Турман и Сэмюэл Л. Джексон, искажённо цитирующий отрывок из проповедей пророка Иезекииля. Квентин брал и выворачивал реальность с иронией, от души приправляя это галлонами крови, пулями и фразами-выстрелами с запретным словом на букву «N». Девятый фильм ждали, нервничая, так как уже давно он заявлял, что на 10 фильме он окончит карьеру режиссера. Любой финал пугает и одолевает страх - «а вдруг в этот раз он исписался и разве можно закончить карьеру на неудачных фильмах?». Вот и настал финал.
Как только стало известно, что ключевой темой нового фильма станет Старый Голливуд 60ых и в события каким-то образом будет вплетена Шэрон Тейт - многие уже сфантазировали свои ожидания от того, каким этот фильм будет. Тот, кто в дебютном фильме отличился наличием фельдшера на съемках (чтобы тот следил, чтобы из персонажа кровь выливалась в объемах, соответствующих реальности), не мог не пройти мимо такой темы, как кровавый ад, в которую превратилась вечеринка в доме Романа Полански. В самом сердце беззаботного и солнечного Голливуда в толпе кажущихся беззащитных хиппи затесалась волчья стая под названием «Семья». 9 августа 1969 года их лидер Чарльз Мэнсон отправит группу самых преданных из сторонников зарезать жителей дома, где когда-то жил музыкант и продюсер Терри Мелчер, оборвавший мечты Мэнсона о музыкальном будущем. Неизвестные 4 человека в этом доме окажутся гостями и беременной на 9 месяце супругой режиссера Романа Полански Шерон Тейт.
Страшное событие не просто уничтожило судьбу шестерых людей (также был убит и 18-летний юноша, друг одного из сотрудников в доме), но нанесло травму всему. Голливуд затих и беззаботность так и не возродилась в том виде, в котором до этого существовала. Роман Полански перестал быть надеждой Голливуда, став гонимым прессой. Он и сам себя уничтожал, осознавая что роковой ночью, на другом континенте хотел быть подальше от беременной супруги и наслаждаться своей известностью в компании раскрепощенных девушек, наркотиков и алкоголя. Не оправдывая его поступок, я могу предположить, что, возможно в его психике, итак не отличающейся стабильностью, что-то сломалось навсегда и проявившийся преступный интерес к невинности и греху, воплотившийся в сексуальном интересе к далеко несовершеннолетним девочкам, ещё сильнее закопает его репутацию. Итогом действий Мэнсона стал страх, что обуял не Голливуд, а всю страну. Милые пацифисты приобрели страшную гримасу и никто не хотел уже слышать о сексе, легких наркотиках и коммунах. Полиция активно занялась хиппи и их образом жизни.
Казалось, что девятый фильм продолжит старые-добрые традиции повышения градуса безумия, где сначала много поговорят, а потом все быстро, но эстетично покрошатся в капусту. Будет знакомая деконструкция жанра, цитирование классиков и самоцитирование. Четыре года назад «Омерзительная восьмёрка» оставила часть зрителей в растерянности от мысли, что «вдруг тот, кто изменил киноязык, ничего и не сможет больше предложить, кроме того, что уже показал?» Я не могу не согласиться, что «Омерзительная восьмёрка» грешит тем, что это повтор того, что мы уже знали.
«Однажды...в Голливуде» показывает нам нового Тарантино, таким мы его не видели: нежным, ностальгирующим, ранимым и даже напуганным. В эпоху, когда Голливуд вновь перестраивается из-за громкого преступления, Квентин пытается остановить прекрасное мгновение прошлого, которого сам не застал, но знает по фильмам. Собрав звёздный состав и изящно руководя ими, он разыграл короткий отрывок из жизни залитого солнцем Лос-Анджелеса, где встречаются вымышленные персонажи с реальными, где по улицам ходят супер-звёзды и неизвестные дети Солнца, где два друга пытаются построить карьеру и живут по соседству с известной парой Голливуда. Вначале я сказала, что герои «Криминального чтива» - штампы из любимых фильмов про гангстеров, а в этот раз героями становятся актёры, что играют в других любимых жанрах: в том же спагетти-вестерне. Наверное, тут стоит и остановится насчёт сюжета. Режиссер просил оставить сюжет в виде интриги и все промо-материалы дают довольно размытое представление о сюжете фильма, поэтому пусть эта часть останется секретом.
Сами актёры фильма становятся цитатами и пасхалками. В какой-то момент, смотря на Леонардо Ди Каприо, невольно вспомнишь историю со съемок «Джанго освобождённого». Лео тут вообще выдаст игру, которая, не побоюсь этого слова, перекроет даже «Волка с Уолл-стрита». Тарантино напичкает фильм актёрами из первых и последних своих фильмов, а где-то в виде пасхалки появится дочь его музы Умы Турман - Майя Хоук. Его страсть к кино выльется и в то, что по всему фильму будут гулять миражи 60ых: начиная от Мишель Филлипс («The Mamas & The Papas») и Брюса Ли и заканчивая теми членами «Семьи», которые не были связаны с событиями 9 августа вроде Кэтрин Шэйр и Линетт «Пискли» Фромм. Без пасхалок и тут не обойдется и уже после сеанса можно загуглить о гибели Натали Вуд или судьбе Джеймса Стейси. Не уйдет зритель и без созерцания фут-фетиша, которым Тарантино известен. Ног было даже слишком много и можно подумать, что это уже и ирония над самим собой.
В фильме фразы, рассчитанные на выстрел-реакцию почти сведены к минимуму. Происходящее на экране как будто плавится под жарким солнцем, делая происходящее «затянутым», тем самым внедряя нас самих в жизнь героев. Только вот такой жизни не существовало: когда-то Квентин увидел её через кино и увековечил там же, в фильме. Что же в этом фильме точно есть? Американская горка из эмоций, где от смеха и радости неожиданно переходишь к грусти или страху... и творец, который оказался слишком искренним и красиво «повзрослевшим». «Однажды...в Голливуде» - это не только признание в любви режиссера и актёров к кинематографу. Это желание влюблённого сохранить и увековечить дорогое.
(И последние фразы слишком раскрывают сюжет и я решила скрыть их под катом, поэтому посмотрите их уже после просмотра фильма)
Поэтому вначале карьеры Тарантино берёт своего верного «пса» - насилие - чтобы разогнать кровь кинематографа, сделать его язык живым. В 2019 году «пёс» бросается только чтобы не дать облить кинематограф кровью.
«Девушка, подающая надежды», реж. Эмиральд Феннел
Феминистское кино всё больше и больше попадает в оптику популярного кинодискурса, а женщины-режиссеры стали чаще получать возможность работать над высокобюджетными проектами («Чудо-женщина», «Хищные птицы», будущий проект Марвел «Вечные»). Синематограф всегда был полон талантливых женщин, но только в последние годы стал более легко дышать в сфере женского режиссерского взгляда. Год назад на «Сэндэнсе» не очень громко, но в наградном плане вполне успешно прошла премьера режиссёрского дебюта сценаристки (2 сезон «Убивая Еву») и актрисы второго плана (Камилла Паркер-Боулз в «Короне») Эмиральд Феннел - «Девушка, подающая надежды». И вот совсем недавно, в конце января 2021 года, фильм добрался до премьеры в России и уже доступен в онлайн-кинотеатрах (например, на Кинопоиск HD). Шуточно я бы вообще назвала фильм blonde girls power: кроме блондинки-режиссёра, руку к созданию фильма приложила продюсерская студия Марго Робби, а главную роль исполнила Кэри Маллиган (до этого известная ролями пассивных перед лицом зла героинь) под заводные хиты Пэрис Хилтон и Бритни Спирс. Хилтон и Спирс - это всегда хорошо, да вот только «Девушка, подающая надежды» - это представитель такого поджанра триллера как «Rape and Revenge» и заводные хиты уже не кажутся такими наивными и беззаботными. Название же этого вида эксплуатационного кино говорит само за себя: это фильмы, где жертва/кто-то близкий жертвы мстит насильникам (например, из современного - «Я плюю на ваши могилы»). Эмиральд Феннел разбавляет сюжет мести за изнасилование вклиниванием ещё нескольких жанров, в том числе черной комедии и самого ванильного ромкома. На выходе вышёл стильный и динамичный фильм о путешествии мести. А теперь...я настоятельно рекомендую Вам не читать текст дальше, а сесть и посмотреть фильм, ибо я буду беспощадно спойлерить сюжет и некоторые твисты. Остались? Чтож, давайте продолжим дальше.
Кэсси (Кэри Маллиган) можно назвать неудачницей: недоучившись в медицинском, она теперь работает на бесперспективной работе в кофейне, живёт в доме родителей и совершенно одинока. Вот только у 30-летней девушки есть пикантный секрет: каждую неделю какой-нибудь парень увозит её совершенно пьяную к себе домой. В почти бессознательном состоянии ей вливают ещё немного крепкого алкоголя или втирают в зубы порошок, а позже уже готовенькую кладут на кровать. В этот же момент оказывается, что случайный перепихон может обернутся для парня чем=то опасным, ибо это хобби Кэсси - изображать из себя пьяную.
У Эмиральд Феннел идея фильма родилась из одной мысли: “почему нам кажутся забавными сцены в фильмах, где героиня просыпается с рандомным парнем и не помнит что вообще было вчера на вечеринке?”. Секс по-пьяне кажется нашему поколению чем-то рядовым, даже если это был нежелательный половой акт. Уже бы не так позитивно мы бы оценили историю, где незнакомец подошёл к спящему человеку и начал заниматься с ним сексом. Мы бы сразу поняли - это какой-то треш и ничего весёлого в этом нет. А ведь разница между спящей и слишком пьяной девушкой не сильно и велика, но мы воспринимаем нежелательный секс почти таким же возможным последствием алкоголя, как головная боль или тошнота. В конечном счёте размышления Феннел привели её к твисту, на котором заканчивается пролог фильма - пьяная девушка оказывается трезвой, а случайный Ромео в секунду теряет весь свой пыл. Тема допустимого в сексуальном плане активно начала осмысливаться и обсуждаться после истории с “#metoo” и в этом плане “Девушка, подающая надежды” выглядит как один из образцовых фильмов эпохи пост-metoo: ведь антагонистов Кэсси настигает тоже с целью спросить за прошлое.
Но если бы это было просто социальное высказывание в лоб, то “Девушка, подающая надежды” не отличалась бы от остальных фильмов, которые появились в последние годы. В первую очередь, “Девушка, подающая надежды” - это стильное кино с приятной постановкой кадра. Мир Кэсси поделен на две части: в обычной жизни вокруг неё самый настоящий гламур с розовыми стенами, но выходя на охоту она оказывается в мире неона, грязный улиц и серо-коричневых стен. Даже родительский дом пугающе сладкий: бывшая “мама Стифлера” (Дженнифер Кулидж) создала из провинциального домика копию Версаля с антикварной мебелью и лепниной. Музыкально мир Кэсси гремит хитами 2000ых и в какой-то момент Кэсси поёт в магазине со своим парнем гимн сладкой наивности “Paris Hilton - Stars Are Blind“. Даже когда атмосфера фильма даёт небольшой градус в сторону триллера - сладкие нулевые остаются с Кэсси. Я советую Вам при просмотре обратить внимание, насколько много примет 2000ых в фильме и думаю, в конце фильма вы и сами поймете, зачем этот антураж был сделан.
“Девушка, подающая надежды” вместо назидательной манеры повествования, где всё делилось бы на белое и черное, выбирает путь игры. Фильм не скрывает того, что играет и развлекает зрителя, попутно показывая ему и последствия психологической травмы. Не пытаясь нарочно удивить зрителя, у Эмиральд Феннел получается выдержать ритм истории от начала до конца. Я не могу согласиться с обвинениями, что фильм слишком не глубокий для своего жанра. Да, ничего нового в жанр фильм не привносит и не даёт ответ на вскрытую проблему, но зато умно и остроумно вглядывается в девчачий бэкграунд, чтобы в итоге нарисовать правдивый образ зрительницы: под кофтами с нежными принтами, под сладкими балладами о любви и под готовностью одеть костюм секси-медсестрички внутри нас прячется едкий страх потерять власть над своим телом.
Маркетинг независимого кино в российских кинотеатрах
Прежде, чем углубиться в механизмы менеджмента независимого кино, я увидела одну явную проблему при обсуждении своей темы с преподавателем и однокурсниками. Почему «независимое кино», а не «арт-хаус»? А почему не «авторское кино»? Именно краткому разбору понятий, в первую очередь, нужно уделить внимание в данном эссе.
Безусловно, легче всего объяснить понятие «авторское кино», так как суть данных фильмов - это представление видения создателей, а не студийных боссов. Как и любое творчество, кино может сохранить индивидуальный почерк творца или остаться безликим и не играет важности за свои деньги или с финансированием крупной студии создаётся проект. Советские режиссеры снимали фильмы при финансировании государственного бюджета, но мы не можем сказать, что фильмы Гайдая - безликие и лишены авторского видения комедии и особых характерных приёмов. Поэтому озаглавив тему «Менеджмент авторского кино», мы рисковали погрязнуть в разъяснении, можно ли считать тот или иной фильм - индивидуальным видением. Да и особого смысла в данном эссе не было бы, так как режиссеры авторского кино активно приглашаются мэйджорами (крупными студиями) для съемок проектов. «Тор: Рагнарёк» - это авторское видение супергеройского фильма от Тайки Вайтити, но при этом фильм не перестаёт быть одним из главных блокбастеров Диснея с уже четко выработанной масштабной системой маркетинга фильма.
Тогда почему не «арт-хаус»? Нужно понимать, что кинематограф молод (ему чуть больше ста лет), динамичен, а в нынешних условиях правила игры могут поменяться в любую секунду. Понятие арт-хауса началось формироваться раньше теории авторского кино и есть смысл спросить себя - что есть арт-хаус? Уже пропала конфронтация с мейнстримными фильмами: Джим Джармуш и Ларс фон Триер собирают полные залы и о них пишут больше, чем о любом супергеройском фильме. У арт-хауса пропала и особая ниша жанров: в 90-ых никто бы не назвал боевик жанром арт-хауса. Теперь в тех же южнокорейских боевиках можно найти и уникальные подходы к использованию киноязыка (например, операторские решения, которые перекочевали вплоть до клипов русских рэп-музыкантов) и претензию на философствование. Актёрский состав тоже не поможет, так как звёзды мировой величины активно пробуют себя или существуют в неком «арт-хаусном» кинематографе: Юэн Макгрегор, Тильда Суитон, Хоакин Феникс, Адам Драйвер, Лея Сейду и Роберт Паттинсон. Маленький бюджет фильма может указывать как на арт-хаус, так и на фильмы категории B, те самые, которыми можно заполнить пропуски в кинотеатре между главными премьерами и которых ставят на невыгодное время показа: утром и ночью. Утверждать, что мейнстримное кино - это «пустышки», не несущие никакой философии, важности для мирового кинематографа и которые создаются для зрителей с низким уровнем образования и культуры - снобистская и далёкая от реальности идея. Где же отличительные черты «арт-хауса»? По правде, никто уже и не знает. Известный японский режиссер Такеши Китано пошутил, что сейчас арт-хаусом можно назвать любой фильм, который не схож на «Мстителей». Кто-то запирает арт-хаус в «когорту» глубоких фильмов, понятных только самим создателям. Кто-то предлагает более интересную, но и расплывчатую концепцию того, что пока фильм или режиссер не известен большинству людей - это арт-хаус, а как только появляется большая фанатская база - это больше не арт-хаус. В итоге, анализировать менеджмент расплывчатого понятия просто невозможно.
Именно поэтому «независимое кино» - это удобная и понятная в данном случае группа фильмов. Во-первых, оно существует и прокатывается другими путями, чем фильмы от студий-мэйджоров. Во-вторых, независимое кино включает и авторское кино, и арт-хаус в любом понимании данного термина, и арт-мейнстрим. Главное то, что данный вид фильмов независим от существующей «голливудской» системы.
Русский кинокритик Антон Долин в одной из бесед, приуроченных к выпуску его новой книги, заметил, что за год, по его оценке, выходит около 20-ти отличных фильмов, всё другое - хорошие, средние и совсем проходные. А за год в мире фильмов впускается настолько много, что ни одной жизни не хватит посмотреть всё и только маленькая часть из всей массы новинок доходят до проката в России, ещё меньше попадает в региональные кинотеатры. Даже при всём этом - на субботу 22 декабря в Архангельске показываются 13 фильмов. Даже в довольно невыгодный период времени: траты на подарки, многие жители уедут в деревни и другие города, выпадение 31 декабря и 1 января - за следующие две неделе прибудут ещё 7 премьер. В непраздничные дни в каждый четверг по всей России обновляется репертуар кинотеатров на 3-5 фильмов. Встаёт вопрос - готовы ли жители города покупать билет на каждый фильм? Редкий житель города обладает такими финансовыми и временными возможностям, не говоря уже о желании. В итоге, мы не Антоны Долины и по кинофестивалям не ездим, эту 20-ку фильмов не соберём. Но маркетинговая компания должна убедить зрителя, что билет на данный фильм принесёт покупателю желаемое. Чтобы он не желал, фильм может дать ему это и ни один дистрибьютер не ограничивается только определённой категорией зрителей. Кинобизнес - это не только кино, но и бизнес, который нацелен на получение максимальной прибыли разными путями. Но не нужно думать, что это бездумные попытки обманным путём приобрести больше зрителей. Практика показывает, что необдуманная политика позиционирования только наносит вред прокату. Мы не обладаем ни связями в киноиндустрии, ни контактами с экспертами, а профессиональная литература либо не находится в свободном доступе, либо информация подана в урезанном виде. Фокусник никогда не расскажет бесплатно главные секреты своих фокусов, в лучшем случае можно только платно обучиться профессии менеджера в киноиндустрии. С другой стороны, методы воздействия на зрителей не могут быть только невидимыми, от того и некоторые способы можно заметить самим, если быть внимательным.
Кандидат философских наук, доцент кафедры социально-культурной деятельности, культурологии и социологии Тюменского государственного института культуру Людмила Николаевна Кошетарова в своей работе «Особенности продвижения полнометражных художественных фильмов средствами социально-культурной деятельности» рассмотрела механизмы воздействования на спрос проекта у зрителей, предложив нетипичные методы. Одним из способов была названа организация «тематических культурно-досуговых программ, выставок, конкурсов, викторин и других форм, методов и средств социально-культурной деятельности». Людмила Николаевна рассматривала всё на примере российского кино, связанного территориально с Тюменской областью. Если отбросить ориентацию эссе на кинотеатры и коммерческий спрос, можно привести пример с показами недель национального кино разных стран в библиотеках (например, в архангельской областной научной библиотеке им. Н. А. Добролюбова). В данных программах участвуют в подавляющем большинстве именно независимые фильмы, а между показами работники библиотеки организуют круглые столы, праздники (День святой Люсии в недели шведского кино), встречи клуба путешественников и другие мероприятия, помогающие больше узнать о стране. Такие мероприятия организуются в сотрудничестве с каким-нибудь крупным центром (Генеральное консульство Швеции в Санкт-Петербурге, Посольство Швейцарии в России, Французский институт в России и т.д.). Вопрос же независимого российского кино остаётся довольно болезненным и окончательно не может быть решёно само существование данной сферы отечественной кинематографии и поэтому наше эссе будет сконцентрировано именно на работе российских дистербьютеров с западными картинами в прокате. Боюсь, что вопрос «независимости» российского кино достоин отдельного внимания, которое не помещается в рамки эссе.
Без воздействия PR-агентств редкий бизнес может оставаться на плаву, так как кроме связей со своей целевой группой, нужно сохранять контакт с бизнес-партнерами, журналистами и СМИ, да с собственными сотрудниками. PR в сфере кино не отличается ничем от любой другой PR-деятельности, но сохраняет особую специфику. В итоге, пиаром кинокартины могут заниматься как и специализированные на индустрии развлечений, так и широкого спектра услуг агентства. Направления, напрямую связанные с киноиндустрией - это пиар, связанный с обеспечением процесса производства кино и пиар, нацеленный на продвижение созданного кинопродукта. Именно на втором направлении и будет сконцентрировано наше внимание, так пиар в процессе производства независимых фильмов имеет индивидуальный подход, не говоря о том, что пиара у начинающих кинематографистов в процессе съемок чаще всего не бывает.
Главная арена для показа и покупки независимого кино - это кинофестивали. В одно время с фестивалем открывается и кинорынок: европейский идёт вместе с Берлинским кинофестивалем, Le Marché du Film - спутник Каннского и т.д. Но весь дальнейший механизм нам не так важен. Суть данного события в том, что при покупке прав на показ фильма, можно выиграть что-то больше, чем просто фильм какого-то режиссера с каким-то актёрами. К концу кинофестиваля консервативного формата можно обнаружить, что ты заключил покупку прав с победителем в какой-либо номинации или с главным фильмом фестиваля. Даже с такими фестивалями как в Торонто (около 300 фильмов и одна номинация) находят обходные пути с такими формулировками, как: «участник фестиваля Санденс/в Торонто и т.д.» Все эти регалии прокатчики не пропустят шанса продемонстрировать в трейлерах, постерах и других видах рекламы. Как показал нынешний год, россияне не понимают систему существования и функционирования фестивалей, от того их ещё легче запутать. Большинство этих регалий не гарантируют ничего, а в лучшем случае - обещают особый опыт для кинокритиков и кинолюбителей. Фестивали - это важная часть кинокульуры, которая позволяет развиваться киноязыку, но и обладает она особой атмосферой, которая труднопереносима в реалии кинотеатров. Но пока что уловка работает и все эти громкие победы обещают зрителю кинотеатра, что если он выберет данный фильм, он прикоснётся к особому интеллектуальному кино. В коммерческом кинематографе особых аналогов такому нет (во многом, потому что продавать ничего так усердно не нужно). Такие премии как «Оскар», «Золотой Глобус», «BAFTA» являются больше приятным дополнением, чем инструментом продажи фильма для прокатчиков. Пока что не объявлен шорт-лист главных номинаций, но правила Оскара таковы, что там могут участвовать только фильмы, показанные в кинотеатрах Лос-Анджелеса до 31 декабря 2018 года. Даже с учётом того, что многие фильмы доходят до российского проката с опозданием, в шорт-листах «Лучший грим и прически» и «Лучшие визуальные эффекты» суммарно всего лишь две картины, которые ещё не были показаны в России за 2018 год.
Ещё одно наследие независимого кино от фестивалей - это реакция прессы. Вы сидите в кинотеатре, начинается рекламный трейлер и звучат классические вырезки из изданий: «Неожиданный взгляд на Дикий Запад», «Восхитительно! Миа Васиковска безупречна», «Невероятное переплетение романтики и мистики», «Вы не видели ничего подобного», «Настоящая магия» и т.д. Короткие отзывы от весомых изданий также формируют желание получить опыт журналиста, попасть в «настоящую магию». Вырезки становятся комментариями к событиям трейлеров, ведь зритель не успевает сформировать своё ожидание, как ему уже сообщают, что он не видел ничего подобного и это восхитительно. Данный подход работает и для коммерческих фильмов, так как использует доверие части зрителей к СМИ.
Одним из сложно заметных инструментом манипулирования ожиданиями зрителя является перевод названия фильма. Смена названия фильма в другой стране - обычная практика подготовки продукта к прокату, во многом вынужденная мера, связанная с исчезновением игры слов или с другом культурным кодом. С фильмами от крупный компаний всё более ясно, так как любой нюанс обсуждается с головным офисом и без их одобрения никаких коррективов вносить нельзя. Другое дело происходит с независимыми фильмами, где рычагов давления у создателей куда меньше, да и возможности отслеживать судьбу своего фильма в другом прокате затруднительно. Чтобы добавить внимания к фильму, дистрибьютер может сыграть на ассоциациях, тех самым, возможно, отобрав некую часть фильма или даже обманув ожидания зрителя. Одним из таких примеров может стать хоррор-фильм Дэвида Роберта Митчелла «It follows», получивший в русском прокате название - «Оно». Что плохого в том, что ужастик будет называться «Оно следует (за тобой)»? Вполне нормальное название, чтобы настроиться на получение саспенса, но уже тогда шли разговоры об экранизации классики ужасов - «Оно» Стивена Кинга. Игра на ассоциации во многом убило впечатление у зрителей, невольно сравнивающее одно «Оно» с другим. Похожей уловкой летом нынешнего года пытались завлечь зрителей на фильм «The Endless», переведя название как «Паранормальное». Никакой связи с «Паранормальными явлениями» данный фильм не имел, а единство содержания фильма и названия было утеряно. Но если переименование ужасов ещё можно логически объяснить, то вот почему романтические комедии из разных стран получают идентичные названия - загадка. Попытка сыграть на ассоциациях в этом случае провальна, потому как зрители просто путаются в названия. «Гаспар едет на свадьбу», став хитом по всей Европе, доехал и до проката в России, но изменился в «Любовь и прочий зоопарк». Как отличить его от «Любовь и прочие неприятности», «Любовь и прочие обстоятельства», «Любовь и другие лекарства», «Любовь и другие катастрофы»? Вместо индивидуальности, за которую бьются независимые кинематографисты, к «Гаспару...» нацепили ярлык. На данный момент ситуация стала налаживаться и фильмы сохраняют свои оригинальные названия или теряют небольшую часть от названия, чтобы звучат более броско и ёмко. Такая ситуация произошла с последними фильмами Линн Рэмси, где «We Need to Talk About Kevin» стал «Что-то не так с Кевином», а «You Were Never Really Here», потеряв «реальность», получил название - «Тебя никогда здесь не было».
Прокат независимого кино тесно связан с такой проблемой как то, что имя режиссера фильма слишком неизвестно, а сюжет сам по себе рискует не завлечь весомую аудиторию зрителей. С такой проблемой столкнулись прокатчики фильма «Зои» Дрейка Доримуса. Доримус к тому времени уже не был дебютантом и даже имел известный в определённых кругах ромком «Как сумасшедший», а два его предыдущих фильма выходили в прокат в России: «Равные» с Николасом Холтом и Кристен Стюарт (оба связаны с известными дорогими проектами: «Люди Икс» и «Сумеречная сага») и «Новизна» с тем же Холтом. Но ни успешная картина, ни два фильма в прокате России не смогли сделать главное - сделать имя режиссера узнаваемым. Зато очень продаваемо было имя создателя студии, на которой выпускались фильмы. На постере фильма «Зои» не нашлось места для имени режиссера, зато явно выделялось имя главы студии - режиссера Ридли Скотта. На примере Дрейка Доримуса можно увидеть два пути: завлечение аудитории востребованными актёрами и/или использование имени более авторитетной персоны. В сфере коммерческих фильмов чаще всего используются формулировки: «От судии, подаривших вам...», «От создателей/продюсеров...».
Приход независимого кино в российский прокат отражает мировой интерес к некоммерческому производству. Гиганты среди студий желают заиметь в режиссерское кресло тех, кто ещё вчера продавал самое ценное для финансирование своей картины. Некоторые отказываются от шанса поработать на боссов, оставаясь в своём привычном окружении, ритме и свободе снимать то, что хочется. Примером таких режиссеров являются Ларс Фон Триер, Уэс Андерсон, Николас Виндинг Рефн и Ксавье Долан. Некоторые соглашаются и срабатываются с студийным ритмом, как например, Томас Винтерберг, Тайка Вайтити и Питер Джексон. Есть и те, кто начиная стажёром на крупной студии, уходит в независимое кино, как Джастин Бенсон с Аароном Мурхедом. Но какой бы выбор не был бы сделан, итог один: коммерческое и независимое кино сосуществуют вместе, беря идеи друг у друга. То, что в этом году было открыто каким-либо европейским самородком, в следующем может быть растиражировано в массовом кино. Главное различие остаётся не в идейном наполнении фильма («я пойду на фестивальное, потому что оно умное, а ваши супергерои для биомусора»), а в финансовом вопросе и в проблеме творческой свободы. Крупная студия может позволить себе больше, но и от того и требует для себя больше контроля за процессом и финальным монтажом. Когда независимый кинематографист рискует своими деньгами, он чаще верит, что его новый взгляд - главный козырь. Студия, рискуя деньгами, чаще выбирает осторожный путь создания чего-то демократичного, уже опробованного. Проблема творческой несвободы подталкивает именитых актёров пробовать себя в независимых проектах, тем самым привлекая к данным картинам больше внимания. Так, Роберт Паттинсон и Кристен Стюарт после окончания «Сумеречной саги» застряли в образах Беллы Свон и Эдварда Каллена, от чего оба вернулись в привычную для себя среду - авторского независимого кино. Поэтому сейчас не только в России, но и во всём мире разрабатываются новые подходы к продаже и позиционированию независимого кино. Как и в любом бизнесе - на спрос появляется и предложение.
#Кинозаписки: «Между рядами» Томаса Штубера
Кристиан — новичок в дружной семье работников гипермаркета. В мире бесконечных стеллажей Кристиан встречает Марион из отдела сладостей. Между ними пробегает искра, а кофейный автомат превращается в место для робких встреч. Однако Марион замужем, а Кристиан слишком застенчив, чтобы сделать первый шаг.
О «Между рядами» активно заговорили после нынешнего Берлиналя, где работа Томаса Штубера разительно отличалась от других участников своей простотой, лаконичностью и искренностью. Не смотря на это, фильм был проигнорирован в присуждении призов, получив только приз христианского жюри и приз гильдии немецкого арт-хауса. Антон Долин связал это с президентом жюри Томом Тыквером («Беги, Лола, беги») и я склона с этим согласиться - Берлинский кинофестиваль 2018 года был явно суров в оценке работ немцев.
Когда-то Джим Джармуш возмутился тому, что герои в фильмах садятся в транспорт (автобус, такси) и следующий кадр показывает, как они выходят и идут дальше по своим делам. Где же процесс поездки? А какие пассажиры и водитель были? Может герой сидел напротив парочки молодых анархистов, а нам решили это не показывать? Именно так родился «Патерсон» Джармуша - фильм о водителе автобуса и его ежедневном маршруте и попутчиках, а по сути чистейшая поэзия жизни и гармонии всего. «Между рядами» о схожем, ведь почти каждый из нас был в супермаркетах, в этом царстве культуры потребления и видели продавцов и их каждодневный труд, но редко задумывались, а как они живут, а как живёт сам супермаркет? А ещё в кино редко можно увидеть, как герой большую часть времени проводит на простой рутинной работе, а жизнь вне работы - это редкое и мимолётное событие. А этот фильм именно такой. Тут впору испугаться - «царство потребления», «рутинная работа», «каждодневный труд» - жесть, это ещё и идёт два часа. Но!
Этот фильм в первую очередь не о супермаркете и работе в нём, и это не фильм о любви (как бы активно его у нас не пиарили таким образом), а о пространстве и людях, что живут и создают его. Первую часть фильма нас будут осторожно и тщательно знакомить с обитателями супермаркета-утопии и с их условными правилами и ориентирами (например, кто с кем дружит, а кому ни за что не дадут погрузчик), а во второй части врывается реальность и личные взаимоотношения. Только вот зритель уже вовлечён и болеет за события, мир столь далёкий становится по сердцу. В какой-то момент зритель и сам начинает мыслить, что быстрее бы уже прошли новогодние праздники и герой вернулся обратно на работу.
Фильм неспроста цитирует «Космическую одиссею» Стэнли Кубрика, где под «На прекрасном голубом Дунае» Штрауса зрителя знакомили со вселенной, с космосом. У Штубера та же работа Штрауса, но в этот раз нас знакомят с космосом продуктов, со вселенной магазина, но вводят бережно к деталям и ни разу не с иронией. В камерном, закрытом рабочем коллективе можно увидеть ни много ни мало, а саму Германию. На месте супермаркета, когда-то была автостоянка дальнобойщиков, но потом Берлинской стены не стало и всё поменялось - ФРГ и ГДР-вцы смешались вместе в виде работников супермаркета. Но отчего-то стеллаж, разделяющий влюблённых Марион и Кристиана всё также отчетливо напоминает ту самую Стену.
«Между рядами» - фильм, о котором нормально не расскажешь, потому что вся магия в атмосфере и кадрах. Вам придётся только поверить и проверить, включив фильм и позволив уюту мира Кристиана и Марион войти в ваш мир. Чтобы понять этот мир - его надо полюбить. Тогда и зритель, вслед за Кристианом и Марион увидят красоту в обыденности. Особенно прекрасна концовка, последний раз такое чувство завершённости от концовки я чувствовала на «Хэппи-Энде» Михаэля Ханеке, где Франц Роговский сыграл сына героини Изабель Юппер. «Между рядами» резко противопоказан всем, кто любит динамичное кино и готовы убить себя из-за продолжительных статичных кадров. Время у героев длится таким образом, что кажется, у зрителей оно идёт быстрее. Я была до последнего уверена, что отсидела на сеансе все три-четыре часа. В остальном, если вам нравится немецкое кино или хочется с ним познакомиться, если вы задавались вопросом о жизни простого заурядного человека (ведь нет неинтересных историй жизни) или если вам хочется укутаться в теплую ламповую атмосферу реальной жизни - советую потратить два часа и познакомиться с этой историей о маленьких людях в большом супермаркете.
К истории про Питера Пэна и Венди у меня особое отношение: нежное и очень трагичное. Сколько бы вариаций данной истории я не встречала, мне каждый раз грустно от окончания путешествия Дарлингов. Мотив взросления - для меня ахиллесова пята, одно упоминание об этом ломает во мне всё. От того и к любой экранизации данной истории я отношусь с трепетом при начале просмотра. Можно ли теперь удивиться, что для первого немого полнометражного фильма я выбрала именно Питера Пэна 1924 года?
Через шесть лет данной киноленте исполниться сто лет и это вызывает ещё больше волнений при просмотре. Меня и актёров фильма разделяет почти целый век (к удивлению, среди актрис немого кино достаточно долгожительниц. В универе я удивила однокурсницу при выступлении о Лени Рифеншталь фактом о том, что она прожила 101 год и покинула мир в 2003 году. За год до смерти Рифеншталь, 2002 году, в возрасте 96 лет мир покинула Мэри Брайан, сыгравшая тут Венди Дарлинг.). Также почти целый век разделяет меня и с потенциальным зрителями киноленты, что должно было создать сложность для просмотра. Мой глаз привык к другой съемке, к динамичным сменам планов и немое кино меня пугало. Я просто верила, что мне не высидеть весь фильм, даже при том, что это история про любимого Питера Пэна и Венди.
Интересна кинолента и тем, что участие в её производстве принимал сам автор истории - Джеймс Барри и во многом, на кастинге выбирались те актёры, которые соответствовали взгляду мистера Барри. Именно выбор актрисы для роли Питера Пэна в данной картине задало тон последующим картинам, где предпочтение на роль Пэна также давалось актрисам. К сожалению, другие задумки Барри, связанные с эффектами и локациями, были исполнены в обрезанном виде или вообще упущены.
Что получилось в итоге? Невероятно увлекательное путешествие зрителя в мир зарождения кино и в мир Неверленда. Я боялась потерять интерес к фильму, а вместо этого не могла оторвать глаз от экрана. Смотря его вечером, уже перед сном, я испытала это убаюкивающее чувство детства, когда всё фантастическое было примитивным, а на титрах в теле разливалось тепло. Я раздваивалась на двух людей - ребёнка, увлечённого волшебством, и взрослую меня, которая смотрела на фасон платьев, прически, макияж и на поведение людей той эпохи. Особенно забавно было то, как в английскую сказку американская киностудия вшила звёздно-полосатый флаг. Такой наивный и очаровательный патриотизм, что я сначала даже не почувствовала неорганичность сего явления.
Питер Пэн разбудил во мне тоску по старому кино, наивному и нарочито дурацкому, но такому родному. Я ни в коем случае не против развития искусства и нахождения новых единиц киноязыка, наоборот, я только “за”, но есть чувство, что киноделы каждый год стремятся усложнить фильм только ради того, чтобы его вознесли в легенды кинематографа, ведь он такой непонятный и странный, а таким и должно быть искусство. О искусстве, который говорит понятным и лёгким языком не забывают, есть много примеров таких фильмов в текущем десятилетии, но часто простоту и легкость низводят до пошлости и вторичности содержания.
К концу, я хотела бы сказать, что сейчас лента Питер Пэн 1924 года находиться в Национальном реестре американских фильмов, но этого могло и не быть. То, что кажется нам сейчас историей и искусством, для современников картин являлось всего лишь способом получить прибыль. Пленки часто не хватало и повсеместно были случаи перезаписи на пленку новых фильмов или телепередач. Такая судьба постигла, например, сезоны Доктора Кто с первыми докторами, которые сейчас активно разыскиваются и скупаются за баснословные деньги. Каждое десятилетие приносит хувианам новые причины для радости, потому что где-то на чердаках обычных домов или складах BBC находят плёнки с утерянными сериями. Так и Питер Пэн до 1995 года считался утраченным фильмом, пока не была найдена пленка с приемлемым качеством. Её отреставрировали на студии Диснее, что неудивительно, потому что Дисней часто принимает участие в важных для американского кино явлениях. Считаю, что воспринимать Дисней только как фермой доения успешных франшиз прошлого - однобоко. К реставрированной копии фильма была написала новая музыка (не исключаю, что именно это отчасти помогло мне вовлечься в фильм, так как в немом кино - музыкальное сопровождение играет важную роль) и в 2001 году мир снова смог увидеть Питера Пэна. Ура!
P.s. К слову о тоске по старому наивному кино. В 2017 году во Франции вышел обаятельный и смешной «Сердцеед» Лорана Тирара (французское кино - моя беда. Мне оно не шибко по душе и поэтому я не знакома с творчеством данного комедиографа) с Жаном Дюжарденом и Мелани Лоран. Я не знала как написать об этом фильме, так как он очаровательный, но сугубо развлекательного направления, а тут очень в тему подвернулось сказать. Сюжет фильма повествует о девушке времён Наполеоновских завоеваний, чья сестра влюбилась в повесу и ловеласа, которому срочно нужно уехать на войну. Он обещает влюблённой писать письма и…ни одного письма не приходит. Бедная девушка так переживает об этом, что в один момент страшно заболевает и не старается поправиться. Тут главная героиня и вступает в бой - она пишет письма от лица сердцееда, но так увлекается, что капитан Невиль становится героем в городе и его приходиться убить. Но неожиданно возвращается реальный капитан Невиль.
Фильм могу посоветовать тем, кто хочет просто расслабиться и получить уйму приятных смешных ситуаций. Это лёгкое кино, которое нацелено только на одно - развеселить зрителя. Также это забавная визуализация взаимодействия литературного персонажа, автора и прототипа персонажа.
